DIARIO DE LA MUESTRA

La muestra 2007 en Zacatecas

2007-03-29T13:25:00.000-07:00

Bien, de acuerdo a la nota anterior, la XXVIII Muestra Nacional de Teatro será en Zacatecas.

¡Enhorabuena!

Ratifican a Ignacio Escárcega como coordinador de teatro del INBAL

2007-03-29T12:57:00.000-07:00

Destaca la titular del instituto, que el maestro, durante su gestión, ha impulsado iniciativas como la reestructuración de la Muestra Nacional de Teatro

Dará continuidad a las actividades sustantivas de la Coordinación Nacional de Teatro(Foto: Archivo/ EL UNIVERSAL)

Notimex
El Universal
Ciudad de México
Jueves 29 de marzo de 2007

09:46 La directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), María Teresa Franco, ratificó al maestro Ignacio Escárcega como Coordinador Nacional de Teatro, informó la víspera la oficina de prensa de esta institución.

En un comunicado, añadió que Escárcega ocupa el cargo desde mayo de 2004 y que durante su gestión ha impulsado iniciativas como la reestructuración de la Muestra Nacional de Teatro, el regreso de esta disciplina artística al Palacio de Bellas Artes y el incremento y fortalecimiento de los esquemas de coproducción, así como la participación en festivales internacionales.

También, la consolidación de la Compañía Nacional de Teatro y de los programas de Teatro Escolar y de Formación Continua, y el reinicio del programa Jueves al Teatro.

Con esta ratificación se da continuidad a las actividades sustantivas de la Coordinación Nacional de Teatro, como la programación artística en los teatros dependientes del Instituto, que para 2007 incluye estrenos de autores como Bárbara Colio, Ximena Escalante, Larry Tremblay y Wajdi Mouawad.

Asimismo se dará seguimiento a los Programas de Teatro Escolar en la Ciudad de México, que actualmente incluye a 11 compañías, y de Teatro Escolar en Estados, que presenta siete producciones en los estados de Colima, Durango, Guanajuato, Nuevo León, Sinaloa y Yucatán.

Cabe señalar que ya ha sido publicada la Convocatoria del Programa de Teatro Escolar en el Distrito Federal para el ciclo 2007-2008 y que en breve se dará a conocer la de los estados.

En palabras de Escárcega, estos programas dan razón de ser al INBAL, pues alimentan la formación integral de las personas y fortalecen al teatro como un patrimonio simbólico de los mexicanos.

De la misma manera, ya inició la planeación de la Muestra Nacional de Teatro de este año, que tendrá lugar en la ciudad de Zacatecas, del 16 al 24 de noviembre.

Así como de festivales y encuentros de carácter nacional, como Escena 2, en San Miguel de Allende; el Encuentro de Teatro del Cuerpo, en Hidalgo; el Festival de Monólogos, que tendrá actividades en Coahuila, Durango, Nuevo León y Sinaloa; y la Semana de la Nueva Dramaturgia en Querétaro.

También a través del Programa Nacional de Formación Continua, se dará seguimiento al segundo Diplomado en Dramaturgia con Michoacán y Querétaro, y se realizará el Taller de Técnicas Teatrales en el Sureste, en Quintana Roo.

Además de que se realizarán diversos proyectos de actualización en lenguaje teatral, como un Seminario de Dirección Escénica y un Diplomado en Técnica Actoral para Teatro del Siglo de Oro.

Publicado hoy en El Universal http://www.eluniversal.com.mx/notas/415416.html

"No hay que darle teatro bueno al malo"

2006-12-18T22:06:00.000-08:00

Gonzalo Valdés Medellín

Nutrida, aunque dispareja, ha resultado la 27 Muestra Nacional de Teatro, celebrándose en la ciudad de Pachuca, y confrontando así un sinnúmero de visiones que permean el ser y el hacer del teatro mexicano en la actualidad.

Y no pocas han sido las propuestas con acervo controversial que han dado mucho de qué hablar, aunque poco que criticar en las mesas de trabajo que para el efecto se llevan a cabo al día siguiente de las representaciones. Mesas de cuestionamiento, donde la real crítica brilla por su ausencia, en aras de no herir susceptibilidades, de no provocar conflictos a modo personal entre los creadores y, en fin, de evadir la responsabilidad analítica que haría, en su momento, de efecto concientizador de los muchos vacíos que presenta el actual hacer escénico.

Algo muy esperado era el estreno de La pista de Fernando de Ita, donde el autor y director escénico dio rienda suelta a sus amplios conocimientos en torno a la comedia de enredos, patentizándola con un lenguaje muy mexicano y un trasfondo de reflexión prehispánica, para denotar una aguda crítica a la idiosincrasia del mexicano. Desafortunadamente, el elenco no estuvo a la altura, al tiempo en que los actores, en general, se vieron impedidos para encontrar el tono y la gracia precisas para levantar el ambicioso proyecto comediográfico de De Ita que, además, se vio sujeto a un chato diseño escenográfico de Mónica Raya, que raya en el acartonamiento absoluto.

Dirigida por Roberto Briceño, Baal de Bertolt Brecht desató ecos expresionistas del autor y su tiempo. Con audacia visual, e incluso iconoclasta, Briceño se arriesgó a echar toda la carne al asador para poner ante los ojos de nuestro tiempo este clásico del siglo XX, interpretado con enjundia por un actor de ya probada y sólida trayectoria, Juan Carlos Remolina, acompañado por una numerosísima compañía de jóvenes y veteranos del teatro michoacano. Sin embargo, la larga duración del espectáculo, poco más de tres horas, la poco cuidadosa adaptación que no pudo resolver su puesta al día, y el rendimiento actoral, por lo general rutinario y monocorde, no lograron levantar este también ambicioso proyecto teatral que naufragó en la inconsistencia, a pesar de la entrega maravillosa del cuerpo actoral, de esa fe ciega en un proyecto escénico que no pudo superar las limitaciones propias tanto de formación histriónica e intelectual, como de concepción, del director y sus creativos, pese a las muy buenas intenciones que eran evidentes, sobre todo el trabajo escenográfico de José Ramón Segura, loable.

Mauricio Jiménez presentó Los niños de Morelia, de Víctor Hugo Rascón Banda; teatro en torno a los refugiados españoles en el gobierno de Lázaro Cárdenas, por desgracia se resolvió en un teatro coral esquemático, que aterriza en un texto de resonancias melodramáticas y reincidentes recursos dramatúrgicos, vueltos receta. Vencer al Sensei escrita, dirigida y actuada por Richard Siquiera, acompañado por las espléndidas participaciones de Mauricio Galaz y Rossana Vega, en un interesante performance en torno a los ninja, en tono de farsa, llevado hasta el delirio por el humor y el virtuosismo corporal de los actores.

Y el maestro Abraham Oceransky deslumbró con una propuesta que no halló el mejor eco entre el público teatrero, debido -paradójicamente- a la profunda convicción espiritual del mismo: Doble suicidio de Chikamatsu Monzaemon, intenso ritual de teatro oriental que recoge la tradición del teatro kabuki, el teatro Noh y la danza Butoh; puesta sin precedentes de un director en plenitud de facultades creadoras, mal entendido y peor valorado por la frivolidad ramplona de un gusto teatral vacuo y exacerbadamente insensible a otras manifestaciones de pureza cultural y humanística.

Dicen que no hay que meterle teatro bueno al malo; y tal vez por tanta medianía vista en esta muestra, una propuesta de grandes alcances conceptuales y rigor teatral admirable como Doble suicidio, no pudo ser valorada por aquellos teatreros que sólo buscan lo fácil, lo light, la baladí, lo chabacano. Aquellos teatreros cuyo gusto muy cuestionable se ha impuesto como moda, como panacea de lo que es y debe ser, a capricho suyo, el teatro mexicano en la actualidad. Pero ni modo, la puesta de Oceransky es extraordinaria. Y constituye lo mejor de la muestra hasta el momento.

( Publicado en El Universal Viernes 24 de noviembre de 2006 http://estadis.eluniversal.com.mx/cultura/50631.html)

XXVII Muestra Nacional de Teatro

2006-12-18T21:58:00.000-08:00

Olga Harmony

Este año el INBA continuó con la buena idea de coproducir con grupos de algunos estados, pero además la Coordinación Nacional de Teatro y las autoridades culturales de Hidalgo ofrecieron al público de Pachuca, sede de la Muestra, funciones con taquilla abierta de todas las escenificaciones y funciones especiales para los participantes e invitados de ésta, que es la manera de que conozcamos algo de lo que se hace en los estados y en la capital del país. Me gustaría destacar las palabras que Víctor Hugo Rascón Banda dijera en la casi interminable inauguración, en la que se ofrecieron diversas preseas, entre ellas la medalla Xavier Villaurrutia que este año se otorgó a Fernando de Ita y la medalla de oro del INBA que correspondió a Luisa Josefina Hernández. En la entrega de esta última le correspondió hablar al escritor y dirigente de Sogem quien ofreció a la laureada que este 20 de noviembre le mandaría al presidente Vicente Fox un ejemplar de La paz ficticia para que se enterara, a través del texto de la dramaturga, que hubo una revolución en México y las causas que la originaron. El valor de Víctor Hugo fue aplaudido por muchos de nosotros.

Del teatro de la capital fueron invitadas Pancho Villa y los niños de la bola, Los niños de Morelia, Hedda Gabler, Yamaha 300 y Asalto al agua transparente. De todas ellas me he ocupado en su momento, excepto de la última, debido a los muy jóvenes teatristas agrupados en el colectivo Lagartijas tiradas al sol, del que ya había visto un trabajo anterior y que me parece que no acaba de cuajar sus proyectos, por lo que no entiendo que, de tratarse de una propuesta juvenil, hubiera desplazado a la Muestra alternativa un trabajo de tanta calidad como Vencer al Sensei. Abrió la Muestra Unos cuantos piquetitos de Ximena Escalante, el extraño caso de un montaje que tuvo mucho éxito en Holanda y otras naciones europeas, con actores y actrices muy profesionales, pero que no ha podido ser exhibida en nuestro país a excepción de Monterrey y ahora y de la que me ocuparé cuando se presente en alguno de los teatros capitalinos (sería muy bueno que la acogiera la UNAM).

Las coproducciones con grupos de los estados fueron cinco. La pista, con el grupo Los hijos del pulque, de autoría y dirección del excelente crítico pero deficiente teatrista Fernando de Ita, de la que destaca el gusto del autor por las partes pudendas, en una trama absurda y una fallida escenificación. Baal de Brecht, con el grupo michoacano Asociación Teatral Contrapeso, en una cuidada escenificación de Roberto Briseño en que por desgracia esta vez no se escucharon los parlamentos y tuvo grandes fallas de ritmo. Cicatrices, en que el colimense Héctor Castañeda Ortega hizo una dramaturgia basada en improvisaciones acerca del sismo que sacudió la ciudad, con idea y dirección de Janet Pineda muy poco relevantes. Teatro estudio T de Veracruz, dirigido por Abraham Oceransky, presentó el clásico japonés Doble suicidio de Chikamatsu Monzaemon en un imaginativo y elegante montaje, con escenografía del mismo director y música en vivo con instrumentos clásicos de Japón, en una de las escenificaciones más logradas de la Muestra. La Compañía Teatral del Norte dirigida por el sonorense Sergio Galindo presentó una de sus sabrosas obras regionales, La siembra del muerto, en la que el autor y director juega con varias posibles variantes de un hecho de sangre.

Como representante de Hidalgo se presentó La voz oval del muy joven Enrique Olmos de Ita, convincente aunque muy apegado a los cánones del teatro narrativo, cuyas dificultades resolvió el director Alberto Villarreal Díaz. Elegidos por convocatoria hubo varios montajes. El grupo Mexicali a secas de Angel Norzagaray presentó la muy misógina y homófoba obra de Marco Antonio de la Parra. La Compañía de Teatro de la Universidad de Guadalajara escenificó Antes, una pretenciosa y aburrida adaptación de la novela de Carmen Boullosa, dirigida por Miguel A. Gutiérrez. Teatro hacia el margen de Yucatán llegó con la fallida Aguantando al taquero de Miguel Angel Canto dirigida por José Ramón Enríquez. Y como colofón, una de las mejores escenificaciones de la Muestra, con las excelentes actuaciones del elenco y la dirección de Fausto Ramírez, de la Compañía de Teatro de la Universidad de Guadalajara, 4 bailes de Albert Espinosa. Estuvo presente Rocinante, el carro de comedias de la Casa de Teatro con diversas escenificaciones que ya he comentado con anterioridad.

(texto publicado en La Jornada el 30 de noviembre de 2007 http://www.jornada.unam.mx/2006/11/30/index.php?section=opinion&article=a06a1cul)

PARA LA MUESTRA… UN BOTÓN

2006-11-26T22:45:00.000-08:00

Último reporte noticioso

Por Juan Carlos Vives

No queremos despedirnos sin compartirles una linda historia que HEDDA GABLER nos regaló: Si en la noche siente UNOS CUANTOS PIQUETITOS mientas está AGUANTANDO AL TAQUERO, LOS NIÑOS DE MORELIA le dejarán CICATRICES, ya que están coludidos con PANCHO VILLA Y LOS NIÑOS DE LA BOLA. Pero los descubrimos. Nos dejaron LA PISTA que nos faltaba. Un DOBLE SUICIDIO que evidenció EL POZO DE LOS MIL DEMONIOS que ANTES fue EL ARCA DE NUEZ y después LA SIEMBRA DEL MUERTO que nos dejó sin habla. Fue terrible. Era un casó para CLITEMNESTRA, una de LAS REINAS CHULAS, la más citadina, porque las otras son bastante RANCHERÍSIMAS. Ella, subida en su YAMAHA 300 salió dispuesta a VENCER AL SENSEI, pero ALZANDO EL VUELO, con el coraje y LA VOZ OVAL que la caracterizan. Primero preguntó a LA VIUDA ASTUTA, una vieja de ARRABAL que gustaba de vivir en MONOGAMIA. Le preguntó: “¿BAAL pueblo?, y ella dijo que sí. Fueron con EL JUEZ PEQUEÑO, que les dijo: “es un ASALTO AL AGUA TRANSPARENTE, ¿no les queda claro?”. “Claro, es obvio”, dijeron ambas mujeres y se echaron 4 BAILES seguiditos. “A TODOS NOS TOCA tener tratos con PRINCESAS, PRINCIPES Y OTROS BICHOS”, dijo el juez, LLERA verdad. UBÚ EN LA FUENTE un REFLEJO DE VENUS, he ahí la solución. Así que YERMA tranquilo, no se preocupe, que para eso existen los de PARA LA MUESTRA, UN BOTÓN…

Juan Carlos Vives

juancarlosvives@hotmail.com

Texto leído en la última función de PARA LA MUESTRA UN BOTÓN el viernes 24.

Portafolio de Muestra: Fernando Moguel y José Jorge Carreón

2006-11-26T22:33:00.000-08:00

Fotos de J.J. Carreón

Fotos de F. Moguel

Los fotógrafos Fernando Moguel y José Jorge Carreón, cuyos trabajos se exhibieron en las calles pachuqueñas a lo largo de la Muestra, son reconocidos por su calidad en tanto capturadores de imágenes teatrales de los ámbitos nacional e internacional.

“La fotografía es importante porque convierte un arte efímero en algo perdurable, una forma de reconocer a través del tiempo la plasticidad de un montaje”. Fernando Moguel.

“Ojalá que este tipo de iniciativas como la de la MNT, que presenta trabajos de calidad, haga ver que vale la pena invertir en un buen registro documental”. José Jorge Carreón.

Portafolio de la Muestra: fotografías de Roberto Villalpando

2006-11-26T22:07:00.000-08:00

Portafolio de la Muestra: fotografías de Carlos Sevilla

2006-11-26T21:52:00.001-08:00

Portafolio de la Muestra

2006-11-26T21:52:00.000-08:00

Roberto Villalpando
Carlos Sevilla

Los fotógrafos del Diario de la Muestra, Carlos Sevilla y Roberto Villalpando, hicieron un registro gráfico del cual ahora presentamos una selección.

Carlos Sevilla es reportero gráfico del diario hidalguense Plaza Juárez. Tomó su primera foto cuando tenía siete años de edad. Trata que “el fotoperiodismo sea la base fundamental de buscar la verdadera imagen, resaltando movimiento, expresión y ángulo”. Ha hecho contribuciones para libros de edición hidalguense, acorde con los nuevos estilos de la fotografía en el país.

Roberto Villalpando es fotorreportero del periódico regional Síntesis. Roberto inició como fotógrafo a los ocho años de edad, haciendo fotografía de estudio. Imprimió su primer estudio completo, de la Hacienda Santa María Regla, a los 12 años. Siguió desempeñándose como fotógrafo de estudio, hasta hace tres años, cuando inició como fotorreportero.

2006-11-26T21:46:00.000-08:00

El equipo editorial del Diario de la Muestra, acompañado de Lourdes Parga, Directora general del Cecultah; Ignacio Escácega, Coordinador Nacional de Teatro del INBA (al centro); junto con Sergio Aranda, Coordinador Estatal de la Muestra.

De izquierda a derecha, arriba: Virginia Téllez, Jose Luís Sánchez, Roberto Villalpando, Carlos Sevilla, Sergio Aranda, Raúl Guerrero; abajo: Aída Suárez, Lourdes Parga, Ignacio Escárcega y Mayté Romo. Del equipo del diario: faltan Enrique Garnica y Carmen Zavaleta.

Hidalgo podría volver a ser sede de la MNT

2006-11-26T21:43:00.000-08:00

Aida Suárez Chávez

Hidalgo podría volver a ser sede, el próximo año, de la Muestra Nacional de Teatro.

Ignacio Escárcega, coordinador nacional de Teatro, expuso que la consolidación del nuevo modelo de coproducciones y el fortalecimiento por la presencia de un grupo muy numeroso de estudiantes de teatro de Hidalgo, Michoacán, Sonora y Veracruz, así como la cercanía con la ciudad de México, favorecen la posibilidad de que la entidad reciba para el 2007, este evento anual.

Sin embargo, aceptó que serán evaluadas las acciones realizadas en esta edición y constatar que la Muestra no es un objetivo sino un medio para la preparación de la gente de teatro.

En el corolario de la administración federal, quedará el soporte presupuestal que creció desde hace dos años.

De primera intención sostuvo que son alentadores los resultados por la organización. Aún así, se revisarán algunos aspectos que fueron propuestos, tales como: que la programación siempre esté abierta al público, lo que dio un magnífico resultado en el estado.

Por su parte, Lourdes Parga, directora del Consejo estatal para la cultura y las artes consideró, ante la propuesta de que Hidalgo repita como estado sede que: es un reto.

Escárcega aseguró que uno de los factores por el que se eligió Hidalgo, en este año, fue la solvencia en los proyectos, la infraestructura y la participación del público.

Consideró que será la próxima administración federal la que decida en qué estado se desarrollará la siguiente MNT. Sin embargo, adelantó que Chihuahua y Zacatecas son los que han solicitado la realización. Hidalgo completará la terna, así se consolidaría el proyecto teatral del estado.

Sólo se han conocido con anterioridad la sede de la MNT: en Tijuana se anunció que San Luis Potosí recibiría la estafeta y, ahí mismo, que Hidalgo sería la sede este año. Así que no es la primera vez que, al término de la MNT, se desconoce la siguiente sede, señaló Escárcega.

Asimismo, dijo que con un monto de tres millones de pesos, y con un gasto mayor en la organización del evento, se efectuó la Muestra Nacional de Teatro.

Y aceptó que los resultados están a la vista para responder que Hidalgo está preparado para recibir la MNT.

Se fortalece el teatro en el estado

Lourdes Parga, directora del Consejo estatal para la cultura y las artes, comentó que la participación de la comunidad teatral fortaleció la realización del proyecto, incluso con la crítica efectuada, por la que serán revisados algunos puntos.

Expuso que desde la emisión de la convocatoria, la comunidad teatral participó de lleno, desde la propia creación artística para participar. Se formó la Muestra alterna para integrar también a las diferentes propuestas de teatro local, así como invitados de otros estados, incluso con apoyo económico para producciones.

Deja saldos positivos, a pesar de que hubo tropiezos. Se podría capitalizar la experiencia ganada para pensar en la posibilidad de que se lleve a cabo en Hidalgo el próximo año.

“Ganamos todos” con la Muestra, aseveró: los públicos, los estudiantes, niños incorporados en el teatro; profesionalización de personal técnico; las instituciones, la motivación por conocer el teatro.

Consideró que no hubo mayores contratiempos para efectuar la Muestra, ni técnicos ni de otro tipo.

Cada día, con alrededor de 500 participantes en la MNT, se convirtió en un espacio de profesionalización.

La derrama económica también fue importante, sin embargo, en materia cultural se ha apostado más por las incidencias en el desarrollo de la sensibilidad del individuo incorporado en su desarrollo social. Además de la formación artística.

Sin embargo, sostuvo que la Muestra sola, como única actividad teatral, no funciona, se enriquece por las líneas de trabajo que se desarrollan con los recursos propios del estado, como de la Federación .

Varios son los programas existentes en esta materia: Teatro escolar por ocho años consecutivos, con cien representaciones cada compañía; apoyo a producciones de teatro para niños en Alas y raíces; la enseñanza de teatro a nivel de iniciación artística; estímulos en el Fondo estatal para la cultura y las artes, no es evento aislado, es una actividad que se suma a los logros de formación teatral.

“Estamos en un rumbo bien definido” que llevará a fortalecer el trabajo, aseguró.

La búsqueda concluyó Nicolás Núñez

2006-11-26T21:39:00.000-08:00

El galán, galán

Redacción

Luego de una votación más cerrada que la del 2 de julio, este Diario logró encontrar al único y auténtico galán más sexy de la Muestra. Nicolás Núñez vio el cosmos azteca por fin alineado a su favor, para cerrar esta hazaña apocalíptica. Este metrosexual consumado se mostró complacido por haber derrotado a sus adversarios.

A 4 votos de distancia, Luis Enrique Gutiérrez OM, alcanzó un decoroso segundo lugar. Se rumora que impugnará los resultados hasta lograr un recuento voto por voto, de la única casilla. Ya coordina acciones interestatales con sus seguidoras para ejercer resistencia civil pacífica.

Contra todo pronóstico, Cutberto López quedó en tercer lugar. Empero, este rey sin corona, asumirá funciones el próximo 1 de diciembre en calidad de Galán Auténtico. (Pueden depositar donaciones voluntarias en su cuenta bancaria, o al 01 800 unicoverdadero).

A los demás no los nombramos por misericordia.

Llera

2006-11-25T18:13:00.000-08:00

Cementerio de autos con una gran producción, creó gran expectación entre el público de la Muestra y, al final, la imagen que nos queda al despojarse de sus ataduras.

Para no olvidar

2006-11-25T18:08:00.000-08:00

Raúl Guerrero Bustamante

Se acaba la Muestra en Hidalgo, con ello dejamos atrás una intensa y glacial semana en que los actores y directores participantes, técnicos, tramoyistas, choferes, críticos, reporteros, funcionarios, entre otros, aportaron esfuerzos que vale la pena reconocer, sobretodo por la pasión que a todos los movió y que con ello lograron que la respuesta del público fuera en gran medida favorable a las funciones y que los teatros se vieran llenos. Este estado demostró tener escenarios dignos para lo que la Muestra demanda, como el Teatro San Francisco, la plaza Aniceto Ortega, el Centro Cultural del Ferrocarril, la Plaza Juárez, el Teatro Guillermo Romo de Vivar, la Sala Salvador Toscano, la Sala Abundio Martínez y hasta el estadio Revolución Mexicana, el cementerio de autos de Grúas Zamora, y quizás, en parte el Bar la Gruta , que logró tener un buen ambiente y generar convivencia. Lo bueno está para no olvidarse, las críticas. Soy pachuqueño, espero no decir lo anterior de una forma autocomplaciente, más bien espero que el reconocimiento de este esfuerzo que representó la Muestra, en un futuro eche a andar más motores para la cultura en nuestra ciudad y del estado todo. Que el público vuelva a acercarse, y más que nada, demande que la gestión cultural -quienquiera que la realice: gobierno, iniciativa privada, universidades, medios de comunicación o asociaciones civiles-, sea digna, sin exclusiones y de gran calidad.

¡Muchas gracias!

2006-11-25T18:07:00.000-08:00

Myrna Vargas

Al Consejo Estatal Para la Cultura y las Artes de Hidalgo, por su apoyo integral en la realización de la Muestra (y específicamente en mi montaje). A todos los de planta y los eventuales, a los jefes y subalternos. A todos los del Foro, de la Escuela de Artes, del Teatro Hidalgo que pusieron todo su empeño y mejor ánimo para llevar a cabo esta tarea titánica de recibir por primera vez la MNT. Gracias por su trabajo y sus horas de sueño entregadas.

Un especial agradecimiento a Lourdes Parga por conseguir y defender el presupuesto para acoger estas Muestras (la Representativa, la Alterna, la Retrospectiva), y aventarse este boleto pese a ser año de Hidalgo… Un reconocimiento porque no cualquiera le entra al toro en nuestras condiciones nacional-electorales.

A la Coordinación Nacional de Teatro del INBA, por seguir sosteniendo viva la MNT pese a los recortes presupuestales, poniendo todo su empeño y recursos en función de la misma.

A los compañeros teatreros: críticos, investigadores, dramaturgos, directores, actores, visitantes y locales, técnicos y rudos quienes hicimos de esta Muestra una fiesta de intercambio.

Al equipo del Diario de la Muestra: Aída, Mayte, Carlos, José Luis, Raúl, Carmen, Robertos (ambos), Enrique y Vicky por darle alas a este organismo y abrirnos un espacio de intercambio escrito.

Al frío por su cualidad conservadora.

A la prensa nacional por la cobertura.

A las editoriales por sus stands: Paso de Gato, Escenología, Tiempo libre y Teatro Comunitario.

Al hotel Emily’s por recibirnos a todos a dormir y/o a registrarnos.

A los del comedor por su esfuerzo.

Muy especialmente al público de Hidalgo por su respuesta. Ojalá conservemos el impulso en el intercambio permanente.

Fue un gusto ser parte de esto. Pasamos la estafeta y nos vemos el año que entra –si Calderón lo permite, o lo obligamos– en _________________ (de preferencia que sea playa). Bienvenidos… Bienvenidos… Bienvenidos…

Este diario seguirá vivo

2006-11-25T18:04:00.000-08:00

Redacción

Más allá de estos nueve números que han aparecido del Diario de la Muestra, queremos decirles que la información, la crítica, la polémica, las imágenes, el seguimiento de las actividades de esta emisión de la Muestra y en tanto esperemos la próxima, contaremos con el Blog para seguirles informando y además esperar su participación con cualquier idea, comentario, crítica, opinión o pregunta que nos quieran depositar ahí, lo cual les agradeceremos. Nos complace también que este recurso sea la memoria electrónica de esta XXVII Muestra Nacional de Teatro para que puedan compartirla con más personas. Así que les recordamos la dirección electrónica http://nacionaldeteatropachuca.blogspot.com/

Confesiones de un manipulador

2006-11-25T18:02:00.002-08:00

Jacinto Lagunas Cruz

Sobre “subsidios”, títeres y otros

Hace 5 años que comenzó esta historia. Resulta que Ricardo y Lourdes me invitaron a participar en un nuevo proyecto de títeres. Después de revisar la dramaturgia de nuestro director, iniciamos el montaje con títeres de varilla inferior y un sistema de gatillo alemán. Eran 6 títeres. Habría canciones, duelos, seducción y sátira política. En fin que no habría muchas novedades con nuestro estilo acostumbrado.

Lo interesante empezó en el estreno. Fuimos a la feria de Apan. Ahí nos recibieron de forma excelente, armamos nuestro teatrino, nos anunciaron, y a darle. El público entendió las bromas, agradeció la historia, compartió nuestras burlas a los impuestos a las medicinas, en fin, nos ovacionaron. Después de esa función de mediodía, teníamos otra por la tarde. Nos llevaron a comer y al regresar, nos dijeron los organizadores que si teníamos inconveniente en presentar la siguiente función en otro foro. Accedimos pero al mostrarnos un templete junto al panteón pusimos cara de extrañeza, aun así estuvimos dispuestos y aquí viene lo bueno. Nos dijeron que no nos preocupáramos que de todos modos nos pagaban la función: “aunque no se presenten”.

Nos estaban chayoteando y gacho, pues en el estupor aceptamos, cobramos y nos fuimos. En el camino de regreso analizamos el asunto y caímos en cuenta que lo que hacíamos tan quitados de la pena tenía repercusiones graves, a partir de ahí le dimos varias revisiones a la obra, en cuanto a dirección, técnica, dramaturgia, en fin.

Después, tuvo muy buena acogida en los más de 20 municipios de Hidalgo donde se ha presentado. La llevamos a la muestra nacional de la UNIMA, en el Conjunto Cultural Ollin Yoliztli, a la muestra nacional de Monterrey (2 veces), a un festival en España (este año), al festival de las Huastecas, al festival de Huamantla, Tlaxcala, y por fin a la Muestra Alterna.

Esta es otra historia, ahora son 6 títeres de guante y 2 manipuladores. Las agresiones al sistema de poder se han afinado, la historia se ha depurado con 3 finales distintos, acumulables, imprevisibles. Queda de ustedes la decisión de que esta obra llegue a las 100 funciones en este año que el grupo ARS-VITA conmemora 10 años de haber iniciado su trabajo con los títeres.

Algunos entendemos el nombre del grupo como arte vital, aunque ellos afirman que es arte vivo. Como sea, el teatro de títeres ha sido una gran experiencia en mi vida actoral y les agradezco la invitación a seguir participando en el grupo. Espero poder continuar escribiendo obras para títeres en este grupo, me despido con el lema de mi especie: Arre, boligrafo.

En Tulancingo también hay Teatro

2006-11-25T18:02:00.001-08:00

Eduardo Hidalgo

Sobre la Muestra Nacional de Teatro

Quiero iniciar este comentario con un agradecimiento a los maestros Otto Minera, Jaime Chabaud y a Eduardo Ruiz Savignón por haber seleccionado a Arlequín Compañía Teatral de Tulancingo con la puesta El Eclipse del maestro Carlos Olmos, ¡Oh sorpresa! ¿Que también en Tulancingo hay Teatro?

Arlequín es el único grupo teatral en Hidalgo que cuenta con un foro propio enclavado, ahora, en el 3er piso de una plaza comercial en el centro de la ciudad. Veinte temporadas teatrales desde 1997 a la fecha y más de noventa personas, entre niños, jóvenes y adultos, han dado su alma y carne al público tulancinguense, de la región y mas allá.

Quizás el que nos hayan seleccionado, no es obra de la casualidad, ya que llevamos años de hacer labor en Tulancingo y estar aquí fue el resultado de ese trabajo. Es cierto que tenemos un reparto muy joven en edad y experiencia, pero eso no ha sido limitante para que el trabajo crezca. Acá también hay talento no sólo en Pachuca.

Soy originario del DF, pero me siento tan hidalguense como el nacido en Apan o Ixmiquilpan. Nacer en un lado o en otro es mero accidente, eres donde te formas y punto.

Lamento varias cosas: Una. Que sólo nos programaron en municipios donde los teatreros, críticos y criticones no se presentaron. ¿A caso por ser Muestra Alterna local es de menor calidad? Es una sensación de estar y no haber estado. Y no es que necesitemos de vejigas para nadar, pero sí nos hubiera gustado, siendo locales y con cierta trayectoria, el que más personas apreciaran nuestro trabajo.

Nos presentamos en una comunidad donde jamás se había realizado un hecho teatral. Esto es algo muy valioso para nosotros, a pesar de las pésimas condiciones del lugar. Me pregunto, ¿para qué entonces llenar y enviar formatos y carpetas, ficha técnica al comité si finalmente se las pasaron por el arco del triunfo?

No lo sé...

Aun así vencimos los obstáculos, los aplausos fueron cálidos y sinceros, eso nos lo llevamos en el alma.

Dos. Que el boom de la MNT se circunscribió a Pachuca. Hidalgo lo conforman ochenta y cuatro municipios, carteles había solo en la capital, nula difusión en radio y prensa, creo que están mas enterados en el DF que al interior del propio estado.

Tres. Que don Juan Manríquez no haya podido estar presente en la Muestra, de él aprendí que no se requieren ocho o diez hojas para escribir tu currículum, como lo hacen otros, todo cabe en una simple hoja, eso habla de la sencillez de los grandes.

Antes de la muerte y desde la poesía

2006-11-25T17:39:00.000-08:00

Foto: Moguel
Fotos: JJ Carreón

Eduardo Vázquez Martín

Sobre Antes

La Compañía de Teatro de la Universidad de Guadalajara no se propuso llevar a escena la novela Antes de Carmen Boullosa, traducir el género narrativo en texto dramático. Hizo algo mucho más complejo y sutil que una adaptación libre: leyó la novela, extrajo la poesía que anima invisible su escritura, y con esa joya entre las manos creó una realidad a parte: una obra original. El poeta Ricardo Yánez convoca a los escritores que creen que la poesía está en la escritura a dejar el oficio. Los versos hablan del hecho poético, no son poesía: son un vehículo entre ésta y los lectores, son una escuela que nos enseña a verla, a encontrarla o a convocarla. La interpretación de Antes que hace este grupo de teatro habla, para empezar, de una capacidad de lectura muy profunda y muy atenta. Estoy seguro que Carmen Boullosa, una de nuestras grandes escritoras contemporáneas, se sentirá orgullosa de contar con estos lectores.

Mónica Castellanos y Susana Romo entran en verdad en personaje, es decir rompen la frontera de la ficción, de la reinterpretación, para vivir en el escenario. Si Boullosa narra el encuentro de una niña con la muerte de su madre, la pérdida definitiva del mundo imaginario tejido de sueños, juegos y pesadillas que la muerte transfigura cruelmente en el desamparo de la realidad, las actrices reviven la tragedia desde su propia experiencia, es decir desde sí mismas, porque ponen esos sentimientos en su cuerpo y desde ahí juegan, danzan y lloran. Entran en la casa de muñecas como si tuvieran seis años, quiero decir que de pronto su cuerpo de mujeres regresa a esa estura, que no actúan como niñas, sino regresan a la niñez.

Después de la muerte de la madre el mundo tiene un antes y un después, pero esa experiencia es descrita por Boullosa con una fidelidad desgarradora, desde las antípodas del melodrama o el chantaje emocional; es vista con los ojos de niña, de perversa polimorfa, diría don Sigmund. Enemiga radical de la cursilería, la autora de La salvaja no busca hacernos llorar, no nos regala ese desahogo, porque hay dolores que secan los ojos y nos arrancan el corazón. Eso mismo nos hizo vivir ayer la Compañía de Teatro de la Universidad de Guadalajara.

El Teatro Nuevo del Emperador

2006-11-25T17:37:00.001-08:00

Alberto Susano

Érase una vez en cierta república un emperador con mil cabezas que amaba el teatro, y aunque no entendía mucho, ya estaba harto de lo que se le mostraba, así que decidió aprovechar los grandes cambios del mundo para revolucionar su teatro. Mas, como él se ocupaba en despachar los grandes asuntos de la república y como no sabía mucho de arte, dejó el asunto del teatro en manos de los juglares más famosos.

–No me importa cómo pero quiero un teatro nuevo, nunca visto, para regocijo de nuestro pueblo, y de nuestra república. Les encomiendo esta tarea y si fallan cortaré sus cabezas. –Dijo el emperador.

–Oh, y ahora ¿qué haremos? Los juglares temblaban.

Entre todos ellos había un gran astuto e influyente, pero mediocre artista, además de carismático y buen orador.

–No nos preocupemos caballeros, el emperador es un estúpido zoquete que no entiende de arte. Hagamos lo que pide. –Dijo riéndose.

–Pe... Pero, no podemos, ¿qué hay más nuevo, qué hay más allá, cómo haremos para encontrarlo? Ya no hay magos, ni sabios, ni bacantes, ni dioses que nos asistan. –Decían los otros llorando.

–¿Es necesario? –decía el astuto–, yo tengo gran influencia en el gusto del rey, hagan cualquier cosa, brinquen, dóblense, sean exageradamente solemnes y pesados en el escenario, olviden la risa, hagan explosiones, vomiten sangre: hagan lo contrario a lo que siempre han hecho.

–Pe... Pero es en ir en contra de los dioses. –Decían los juglares temblando.

–Ya no hay dioses, ustedes lo han dicho. –Decía el astuto–. Además, ¿no quieren salvar el pellejo, y aún más, no quieren pasar a la historia como los creadores del nuevo teatro?

–Sí... lo queremos. –Decían inyectados de una repentina ambición los otros.

–Bueno, ustedes hagan lo que les digo, cualquier cosa, yo me encargo del emperador, ah por cierto, a cambio deben darme como ofrenda sus votos para ser el Gran Maestre del arte en la república.

–Así sea...

Y así, los juglares fueron a beber y despilfarrar el dinero que les daba el emperador para realizar la gran tarea. Había grandes orgías, día y noche, hasta que se anunció la Gran Muestra de Teatro Nuevo de la República.

Los juglares recitaban pesadamente ante el emperador. Más que saltar, se convulsionaban en el tablado, vomitaban sangre, se arrastraban, se oían explosiones, gemidos lastimeros, y un largo etcétera por el estilo.

El público dormía o lloraba desconcertado. El emperador frunció el entrecejo: sudaba. El público lo miraba con recelo. Al terminar el día, el emperador se encerró en su aposento: lloraba, clamaba perdón a los dioses muertos. Se levantó decidido a cumplir con su palabra: cortar cabezas, mas, al dar la vuelta, allí estaba el gran astuto.

–¿No fue grandioso?

–¿Te parece?, dijo el emperador acobardado.

–¡Claro! ¡Qué derroche de maestría, qué avance para el teatro de la gran republica! ¿Lo ve? un teatro hecho para iniciados en los grandes misterios del devenir histórico, un teatro que pueda ser visto por los hombres que tienen la sabiduría de un dios. Yo pude verlo. Redescubrí la catharsis, la poiesis, sólo un tonto no podría verlo.

Estas palabras intimidaron al rey, quien recuperó la postura y compartió las ideas de nuestro astuto. Hablaron largo rato acerca de este nuevo teatro.

Al cabo de un rato el emperador se asomó al balcón de palacio y con el público esperando afligido, anunció:

–Recibo con los brazos abiertos este nuevo teatro para gente sabia... –Y lo halagó aún más, con el astuto dictando palabras a su oído.

La gente que se atrevió a proferir insultos al nuevo teatro terminó sin cabeza, así que los demás decidieron callar y aplaudir, a su pesar, al nuevo teatro. El astuto fue convertido en el Gran Maestre del arte. El pueblo perdió su antiguo espíritu de lucha, se volvieron autómatas. La república se volvió gris, igual que su teatro. Nuestro Astuto gana mucho dinero, y se ha vuelto tan ambicioso que pocas veces les da a los juglares para hacer teatro; así que ya no hay tanto como antes, y el poco que hay, es ese nuevo teatro, pues si llega a haber alguien que se atreva a contradecir o mirar al pasado, perderá la cabeza.

Y colorín colorado...

Más qué hacer el25 de noviembre

2006-11-25T17:36:00.000-08:00

Talleres

“Adaptación para el teatro”

Imparte: Silvia Hernández

10:00 a 13:00 horas

Escuela de Artes

Degustación de libros y revistas

Sala Salvador Toscano

11:00 a 14:00 y 16:00 a 19:00 horas

Foro de Análisis

Sala Salvador Toscano

16:00 a 18:00 horas

Conductores: Luz Emilia Aguilar Zinser y Saúl Meléndez (se consideran las obras del día anterior, incluyendo el Noctambulario).

Verbena de clausura

Escuela de Artes

23:00 horas

Radio Pasillo

2006-11-25T17:33:00.001-08:00

El licenciado Ángeles, único poseedor de la copa del campeón del torneo relámpago de futbol Lo que quedó de mi juventud, dijo a Radiopasillo “si quieren el trofeo, que me demanden”. Así que al equipo que arriesgó salud y pellejo, le recomendamos resignación o un abogado.

Respondiendo al comentario acerca de la diversificación de actividad. Raros son los actores que llegan a los 25 años y no se han diversificado, ya sea por interés o necesidad que después se transforma en interés (a menos que los mantenga su familia, hayan heredado o tengan padrinos en el ajo). Aunque parezca increíble, no todo actor está únicamente interesado en el trabajo escénico, sino que le gusta incurrir en otras áreas del quehacer teatral, o de la vida. Leonardo Da Vinci ¿tendría conflicto ético por contar con intereses tan diversos?... La falta de ética es defraudar, mentir, estafar o manipular y amafiarse.

Arrabal, un montaje diferente

2006-11-25T17:33:00.000-08:00

Redacción

Entre la variedad de propuestas escénicas que han podido presenciarse en esta jornada artística, Arte Acción, Teatro de Movimiento llevó hasta Tepeji del Río la obra Arrabal.

Teatro de Movimiento es una propuesta conformada por artistas con y sin discapacidad que hacen teatro de su cuerpo.

Arrabal “va mostrando con ironía lo rupestre del dolor, hasta dar paso final a la muerte, produciendo una liberación feroz en una mezcla de lujuria carnal y odio; en lugar del amor espiritual, en una liberación que ilumina el mundo de los muertos”, según afirman sus creadores.

La muerte tiene en esta historia una presencia contundente que se palpa “entre los besos de miel, traición y sangre”.

Sus actores, lejos de exhibirse, exhiben dolor y ausencia, pero sobre todo, “el dejo por lo que pudo haber sido y nunca fue”.

Con texto de Mario René Matute, bajo la dirección: Gerardo Sánchez Gonzáles, Arrabal es una creación que quiere llegar hasta las fibras más sensibles del espectador.

Réplica a distancia

2006-11-25T17:30:00.001-08:00

Enrique Olmos de Ita

Miércoles 22 de noviembre

En el blog del Diario de la Muestra leo con estupor la declaración de la señora Myrna Vargas, donde dice: “no se vale permitir que Enrique Olmos viniera a pintarle un violín a los hidalguenses con un proyecto que recibió un importante apoyo económico que beneficiará a gente que no es de aquí”. Dos precisiones: yo soy hidalguense (Llanos de Apan, 1984), y el proyecto La voz oval estaba a mi nombre bajo la dirección de Darío Pantaleón, director de teatro pachuqueño. Sin embargo, dado que el maestro de Salta, Argentina, tenía un compromiso para el montaje del Programa Nacional de Teatro Escolar, el jurado (Chabaud, Ruiz Saviñón y Minera) solicitó que buscara otro director. De la plantilla de directores locales con nadie más he trabajado y tampoco he visto en Pachuca un montaje de narración escénica; así que pedí a mis amigos Alberto Villarreal y Patricia Rozichner, que lleváramos a cabo el montaje en Hidalgo. Las instituciones aprobaron la idea.

Se hizo una audición pública en el teatro Guillermo Romo de Vivar. Llegaron nueve o diez actores, tres eran profesionales, uno (Daniel Rivera, excelente actor) ajustaba al perfil de la puesta en escena y de los personajes. ¿Qué culpa tenemos –Alberto, Patricia y yo– de la ausencia de actores y creativos en la audición? Por cierto, ¿importante apoyo económico 75 mil pesos? Para teatro profesional es apenas lo suficiente. Seamos más justos con nuestro oficio, démosle el valor que tiene, 75 mil pesos para una producción no es, ni mucho menos, un importante apoyo económico.

“Es bueno saber que ya no radican en el estado desde hace varios años”. Hurgando en el internet, hallé ésta declaración del diario Síntesis de Hidalgo donde se argumentaba que ni Fernando de Ita, ni yo, vivíamos en Hidalgo y a pesar de eso representábamos al estado en la Muestra. La nota de Karina Ortiz es falsa, antes de vivir en Europa –hace un par de meses– yo vivía donde nací: en Apan, Hidalgo. Más investigación.

Dejo una dirección electrónica para decir las cosas de frente y comunicarnos, como gente civilizada (olmos@lapalabra.com). Por cierto, quien quiera que sea el que envía correos y mensajes anónimos con amenazas, descalificaciones e insultos: qué envidia de tiempo perdido.

Enrique Olmos de Ita

Fundamentando

2006-11-25T17:10:00.000-08:00

Myrna Vargas

Estimada Mayte:

Agradezco la publicación de la entrevista que me realizaste en el segundo ejemplar del diario de la Muestra y en la que extensamente fundamenté todo lo que declaré. Entiendo que por premura y/o falta de espacio no se haya podido publicar completa, pero me parece necesario respaldar por qué pienso que Enrique Olmos “le pintó un violín a Hidalgo”, tanto por respeto a Olmos como por rigor. Por lo tanto procedo:

1. De inicio, Darío Pantaleón, argentino con 20 años de arraigo en Pachuca y cuya trayectoria la ha hecho con equipos creativos de Hidalgo, fue nombrado director del proyecto La voz oval sin haber sido consultado. Pantaleón no podía aceptar ni siquiera la “postulación” pues tiene a su cargo el proyecto de Teatro Escolar, próximo a estrenarse. Esto ya de entrada indica una falta de consideración hacia Darío Pantaleón. Por otro lado, el hecho de que Olmos “no conozca” a otro director de Hidalgo, no es culpa de Hidalgo.

2. En las reuniones que tuvo la Comunidad Teatral, coordinadas por Fernando de Ita, para discutir los términos de la convocatoria de los montajes representativos y de la Muestra Alterna, se enfatizó que el estímulo debía contribuir al desarrollo de los creadores del estado (hidalguenses por nacimiento o por adopción con 5 años de arraigo).

Incluso, compañeros que tienen alrededor de cuatro años trabajando empeñosamente en Hidalgo, como Marisa Gómez o Francisco Navarro, se abstuvieron de participar por no tener aún 5 años de residencia en el Estado.

Las audiciones para La voz oval fueron convocadas con premura y no fueron muy difundidas, cosa que considero debía estar supervisando el director del proyecto, pero concediendo que esto no es responsabilidad de él. Quizá tenga que ver en esto el hecho de que Olmos ha declarado, y creo que sin fundamento, porque nunca se ha acercado a la comunidad para conocerla, que en Hidalgo no hay teatro. Con esta actitud, era difícil que la comunidad respondiera a su convocatoria.

(Cuando hablo de “la comunidad” me refiero a la gente que hace teatro en Tulancingo, Actopan, Pachuca y Real del Monte, que es dónde se hace más teatro. No somos miles pero algunos habemos.)

Ni Ramírez Carnero, ni Alejandro Ainsley, ni Fernando de Ita conocían a la comunidad teatral cuando hicieron aquí sus primeros montajes pero se acercaron respetuosamente y armaron buenos equipos de trabajo.

Entonces, ¿de quién viene siendo la responsabilidad?

3. En este país y en el estado de Hidalgo específicamente, que pertenece a zona económica C, donde el salario mínimo es de 40 pesos, es decir, aproximadamente de mil 200 pesos mensuales por jornadas de 40 horas semanales y con un índice de desempleo en aumento donde el ingreso es de 0.00 mensuales, 75 mil pesos es muchísimo dinero. Es raro que en Hidalgo se asignen presupuestos de esa magnitud para producir y sin embargo se trabaja. Habría sido de gran estímulo para los creadores del Estado, quienes raramente recibimos estos apoyos.

Aprovecho para expresar que el resultado artístico de La voz oval no es lo que me ocupa. Para que no se confundan las cosas: el reclamo es de índole laboral.

Te agradezco la publicación de esta nota, en la cual se aclara y fundamenta lo que por falta de tiempo y espacio no se pudo antes.

Carta a Fernando de Ita

2006-11-25T17:02:00.000-08:00

Noé Morales Muñoz *

Mi estimado Fernando:

No te escribo para hablar de La Pista, pues lo haré en su momento para otro medio que me paga unos pesos; en este, que nada me da, acoto algo respecto a tu nota aparecida aquí mismo (No. 6), en la que balbuceas una crítica a La voz oval.

De entrada, una sensación, que no un juicio: pareces estar cansado y con algo de fastidio. Creo que de otra manera de no incurrirías en una operación retórica impensable para un hombre con tu oficio y con tus años: el sofisma. Afirmas que la obra de Enrique lo hace escritor “porque ya conoce los entretelones del idioma, el poder del verbo, la reverberación de las palabras, el deslumbramiento de la metáfora, la reinvención de la realidad a partir de la escritura”. Te he disfrutado estilista y habrá quien aún se enganche con el ritmo de tus encabalgamientos, pero el asunto es que todo ello lo afirmas sin argumentar nada: tu bisturí no reconoce, en su muy tímida disección, las contradicciones y limitantes de un texto que, como pieza del lenguaje, te pasa de noche: ninguna alusión entre las tensiones entre coloquialidad y narración, nulo señalamiento de la incorporación de elementos de un idiolecto externo (argentino) en la estructura de la pieza, cero menciones a la probable efectividad de la narración escénica en el discurso de la obra. No, para ti Enrique es escritor porque escribe, y nada más. Incluso, si uno se pusiera más o menos suspicaz, pensaría que la palabrería hueca con la que lo recibes como dramaturgo obedece a tu relación con él. A uno se le ocurre.

El sofisma llega después. El “torrente idiomático” –nacido de la convergencia de quién sabe qué arroyos, pues no lo especificas– sólo sirve para que los actores se muestren, otra vez según tú, limitados, y evidencien que, más que actuar, están “aprendiendo”. La falsedad del argumento radica en la eliminación de los referentes: el estilo de actuación, la concentración de la energía, las pautas corporales y de movimiento, la relación con el espacio, el diseño de dirección de Villarreal. No digo que el elenco no sea o no pueda ser limitado, pero no puede serlo o no serlo sólo por el hecho de que exista, si existe en realidad, el famoso torrente que nos dibujas con tan maraquero pulso. Pasas por alto, de nuevo, las relaciones críticas entre el texto, la actoralidad, la dirección, el espacio, entre otras vainas más.

En fin, Fernando, que encuentro tu texto cansado, errático, confuso, contradictorio, desfasado de la actualidad crítica, sin asideros ni línea definida, efectista, un tanto hueco y precipitado.

Y no, no estoy hablando de La Pista.

Bueno, quizás un poco sí.

Besitos de hombre,

Noé.

* Noé Morales Muñoz es dramaturgo y crítico. Actualmente tiene un chingo de gripa.

Exposición Retrospectiva del Teatro en Hidalgo

2006-11-25T16:56:00.000-08:00

(Última)

Registrar la actividad teatral en el Estado una tarea que apenas inicia, desde aquí un reconocimiento para los creadores que respondieron al llamado. Gracias y seguimos en el camino.

009. El caldero de la sombra, 2001

Autor: Jacinto Lagunas

Director: Jorge Vega

Colección: Grupo Ars- vita

014. Pantomima para niños

Autor y director: Luís Manuel Aguirre García

Grupo Juglares ruelas de artes escénicas

Colección: CECULTAH

042. Juegos escénicos

Ca 1980

Teatro Estudio

Director: Arturo Romero

055. Gringo el dragón, 1986

Grupo 2+4

Director: Guillermo Cuevas

Colección: Guillermo Cuevas

056. Me lleva el tren, 1994

Autor y director Edmundo Lima

Colección Edmundo Lima

076. Fuenteovejuna

Ca 1983

Teatro Estudio

Autor: Lope de Vega

Director: Arturo Romero

Colección: Leticia Farfán

Exposición Retrospectiva del Teatro en Hidalgo

Coordinación General

Nydia Ramos

Curaduría

David Maawad

Documentación e Investigación

Liliana Navia, Carmen Zavaleta y Nydia Ramos

Montaje de gráficos

Rolando Fuentes

Reproducción digital

Alicia Ahumada

Apoyo Técnico

Juan Carlos Hidalgo

Alfredo Castillo Monter

Agradecemos a las siguientes personas e instituciones su valiosa colaboración:

CITRU

Archivo General del Estado de Hidalgo

Archivo Histórico del Poder Judicial del Estado de Hidalgo

Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo

Biblioteca Central del Estado

José Vergara, Marcial Guerrero, Arturo Hernández, Jovita Ortega, Mirna Pérez, Heladio Vera, Myrna Vargas, Guillermo Cuevas, César Hernández, Myrella Velasco, Abel Pérez Ángeles, Leticia García, Sergio Aranda, Lourdes Islas, Jacinto Lagunas, Lourdes Parga, Arturo Romero, Erick Cruz, Mónica Navarro, Sybille Teer- Veen, Anuar Jotar, Eduardo Hidalgo, Francisco J. Meléndez, Darío Pantaleón, Fernando Pérez, Alfredo Ávila, Lourdes Miramontes, Ricardo Vega, Jorge Skinfield, Rafael Jiménez Tirado, Lauro Alvarado, Patricia Rodríguez, Norma Espinoza, Jesús Cuevas, Jesús Islas, Javier Tovar, Edmundo Martínez y al maestro Juan Manríquez Ramos(qepd).

El hasta luego al Diario de la Muestra

2006-11-25T16:53:00.000-08:00

Editorial

Aida Suárez Chávez

Como un diario efímero, especializado en teatro, así fue como nació este medio que se despide con este noveno número y agradece la colaboración de la comunidad teatral por su participación, tanto en el envío de sus textos como en la lectura.

El Diario de la Muestra fue editado en Hidalgo, luego de que en San Luis Potosí vio la luz primera. Se quedó ante la petición de los propios participantes de la Muestra Nacional de Teatro, de ustedes.

72 páginas en nueve números, realizados por un equipo de diez personas, hicieron posible el ejercicio de la libertad de expresión, de la crítica y la difusión del quehacer teatral.

Seguramente continuará la idea el próximo año.

Vaya el agradecimiento a: Lourdes Parga por la invitación; a Eduardo Vázquez por el origen y a todos los que subieron a escena y que esta noche correrán el telón para seguir siendo el teatro realidad, y la realidad del teatro.

Aquí dejo una última información

Ante la inconformidad de grupos locales por la elección de la puesta en escena La voz oval, Eduardo Ruiz Savigñon, jurado de proyectos para la representación de Hidalgo en la Muestra Nacional de Teatro, aseguró que fue seleccionada por haber sido el mejor trabajo presentado.

Quienes también fueron jueces en esta elección, se encuentran Jaime Chabaud y Otto Minera.

La consideraron una obra difícil pero interesante, a diferencia de la segunda propuesta que presentó el autor Enrique Olmos.

Ruiz Savigñon que fue seleccionada con la advertencia de que debería ser otro el director ya que el propuesto, Darío Pantaleón, estaba dedicado a dirigir la puesta del Teatro escolar de este año, por lo tanto no podía repetir en esta producción.

De este modo, Olmos eligió a Alberto Villarreal, quien es uno de los directores más importantes y vanguardistas de México, incluso en la narraturgia, en la cual está catalogada la obra en cuestión.

Dijo en Pachuca, que La voz oval es propositiva y es de las más representativas de Hidalgo por su idiosincrasia sobre el futbol y más que a la gente de teatro, gustó mucho al público.

En cuanto al parentesco con Fernando De Ita, quien es el hombre más representativo del teatro en el estado, aseveró que “al jurado no nos importó eso, eso no tiene nada que ver con la profesionalización del teatro”.

La dirección de Alberto Villarreal y el elenco, hacen de La voz oval una obra interesante que ha causado polémica, comentó el también director de teatro.

Destinos urbanos Escuela de Artes o La Monja Custodia

2006-11-25T16:34:00.000-08:00

Mayte Romo

La ancestral progenie espiritual de la Escuela de Artes es resguardada, y se sabe de cierto, por una mujer que no está viva, aunque tampoco ha muerto: la Monja Custodia.

* Esteban N. era un estudiante de danza de 12 años de edad. Una tarde, se quedó solito en el salón donde, por estos días, Nicolás Núñez imparte el taller Fundamentos básicos. Esteban detectó de reojo la presencia de alguien que se replegaba contra la pared para no ser visto, o ¿vista? El niño supuso que se trataba de su tía. Volteó de súbito y vio claramente que alguien salió. Decidió seguirla. Ya había avanzado unos pasos cuando su tía lo llamó desde la dirección opuesta. Esteban se volvió a su tía. El terror se le convirtió en frío que lo invadió hasta los huesos.

* Panchito, antiguo cuidador de la Escuela, prefería no contar sus experiencias pero solía decir: “me cai que sí hay Monja”. Se lo contó a Myrna Vargas. Ella no cree en fantasmas, pero un día le cayó la madrugada chambeando en la Escuela. A las 3 de la mañana, su vejiga reclamó descanso. Comenzó a andar el pasillo que conduce al baño y sintió algo. Ella, “te juro que no creo en nada de eso”, sintió algo: frío, ñáñaras, “no sé qué”, que tuvo que regresarse a trabajar y aguantarse “las ganas de miar hasta las 5 de la mañana”.

* Carmen Zavaleta era la única que tenía llave de las bodegas. Había pasado semanas arreglando el desorden que en ellas imperaba; abría con su llave, ordenaba, cerraba con su llave, se iba. Su rutina cambió en el momento en que abrió con su llave y encontró en el suelo un triángulo hecho con baquetas y una tela dispuesta en torno al triángulo. En el centro había un peluche, dispuesto a modo de ofrenda.

Se sabe de cierto, pero nadie lo cree. La Monja Custodia mantiene su espíritu amalgamado a las paredes de la Escuela de Artes. Si quiere confirmarlo, visite sus pasillos esta fría madrugada.

2006-11-24T22:50:00.001-08:00

Yamaha 300: temor y traición

2006-11-24T22:39:00.000-08:00

Nahum Torres*

Para nadie está en duda que el crimen organizado se ha beneficiado en base a dos políticas antagónicas que corresponden al goce y al miedo.

El mercado de la droga se sustenta, por una parte, en una cultura de hedonismo que ha penetrado diversos espectros en la sociedad (en el caso juvenil, se afianza debido a la ilusión de fuerza y poder que genera ser un dealer); y al mismo tiempo, existe un temor creciente de la barbarie criminal propiciada por la desconfianza en las autoridades (aquellos encargados de la seguridad social) por su vinculación a las mafias y cárteles de la droga tanto en México como en Estados Unidos.

Este sentir adverso entre atracción y miedo están reflejados en la obra Yamaha 300 del dramaturgo (actor y promotor cultural) sonorense Cutberto López, resultado de un diálogo extenso con el grupo teatral TATUAS (Taller de Teatro de la Universidad Autónoma de Sinaloa) que se alimentó de la novela La Reina del Sur de Pérez-Reverte y de conversaciones y sustratos existenciales de un motero sinaloense conocido como ‘el Salvaje’.

Lo que el autor nos quiere compartir con esta pieza de acción -sin establecer ninguna clase de juicio moralista contra el criminal o una literatura sociológica -, son las ambiciones, sueños, fracasos y temores de personas que por algún motivo se enredaron en el turbio mundo del narcotráfico en el noroeste mexicano.

Es así como conocemos al ‘Animal’ (Hernán Mendoza), un panguero (lanchero) que surca junto al ‘Cananis’ (Fermín Martínez) el Mar de Cortés contrabandeando marihuana para ‘el Tiburón’ (Joaquín Cosío), un capo menor, cabrón pero lleno de aprensiones.

En el centro del escenario péndula un motor de 300 caballos de fuerza, metáfora de la aspiración, de la libertad, de la posesión, del deseo de ser Alguien.

"Yamaha 300" es un raudo relato nocturno de burreros tecnificados traficando aspiraciones y temores personales bajo la precisa dirección de Antonio Castro.

* Nahum Torres es editor de www.zonateatral.com.mx

Más qué hacer el 24 de noviembre

2006-11-24T22:24:00.000-08:00

Talleres

“Fundamentos básicos”

Imparte: Nicolás Nuñez

10:00 a 13:00 horas

Escuela de Artes

“Adaptación para el teatro”

Imparte: Silvia Hernández

Mesas

Mesa General de Análisis

Luz Emilia Aguilar Zinder, Domingo Adame, Saúl Meléndez

11:00 a 1400 horas

Sala Salvador Toscano

Degustación de libros y revistas

Sala Salvador Toscano

11:00 a 14:00 y 16:00 a 19:00 horas

Foro de Análisis

Sala Salvador Toscano

16:00 a 18:00 horas

Conductores: Luz Emilia Aguilar Zinser y Saúl Meléndez (se consideran las obras del día anterior, incluyendo el Noctambulario).

Muestra Nacional

2006-11-24T22:17:00.000-08:00

Yamaha 300

Distrito Federal

Grupo: Teatro UNAM

Autor: Cutberto López*

Director: Antonio Castro

Teatro de la Ciudad San Francisco

Sábado 25 de noviembre de 2006

19:00 y 21:00 horas

Sinopsis

Yamaha 300 es una obra negra en donde impera la violencia, el lenguaje crudo, atmósferas densas y personajes cuyas referencias reales son noticia cotidiana en el México de hoy. El autor no tiene la intención de hacer un estudio sociológico del narcotráfico. Lo que desea es denunciar con tristeza que somos vulnerables ante una violencia solapada y creciente.

Reparto

Animal / Hernán Mendoza

Tiburón / Joaquín Cosío

Cananas / Fermín Martínez

Vero / Pilar Padilla

Capitán, Jorge / Dagoberto Gama

Nachito, Oficial, Padre / Sergio López

Raúl, Energúmeno / Adrián Aguirre

Créditos

Escenografía e iluminación/ Sergio Villegas

Vestuario/ Mauricio Ascencio

Música/ Antonio Fernández Ros

Producción/ Dirección de Teatro UNAM

Duración: 1 hora 30 minutos

La siembra del muerto

Sonora

Grupo: Compañía Teatral del Norte

Autor y Director: Sergio Galindo

Teatro Guillermo Romo de Vivar

Sábado 25 de noviembre de 2006

19:00 horas

Sinopsis

¿Es “La siembra del muerto”, el muerto sembrado por “La acordada”, o la siembra dejada por el “Encanijado”, muerto a manos de su cuñado Chico Ambrosio un día del años 1951 por haberle arrebato las tierras heredadas por su padre, don Ambrosio el viejo?.

Reparto

Chico Ambrosio-Mani-Manuel Nacho/ Francisco Verú

El Encanijado-Cuate / Manuel Ramírez

El Espirituado- Ambrosito Chico/ Osvaldo Sánchez

Capitán-rezadora / Hugo Sosa

Panchito-Pancho loco-soldado / Dettmar Yánez

El Comisario-Chalío/ Mariano Sosa

Auxiliadora-rezadora / Marreyna Arias

Chona-Cata-rezadora / Belén Gil

Viky-Nacha-rezadora / Elizabeth Vargas

Tío Isabel / Sergio Galindo

Créditos

Escenografía/ Osvaldo Sánchez

Realización/ Francisco González “El Oso”

Iluminación/ Jesús Maldonado

Duración 1 hora 10 minutos

Yerma

Grupo: Casa del Teatro/ Centro Dramático de Michoacán

Michoacán

Autor: Federico García Lorca

Director: Mauricio Pimentel

Teatro Móvil, Plaza Juárez

Sábado 25 de noviembre de 2006

21:00 horas

Sinopsis

Una mujer de pueblo obsesionada por tener un hijo se enfrenta a un contexto en el que sus principios y valores se van transformando en obstáculos insuperables para lograr su anhelo. La soledad y la imposibilidad la empujan a realizar un acto donde ella renuncia a su maternidad.

Reparto

Yerma/ Lucero Trejo

Juan/ Juan de la Loza

Maria, lavandera, vecina/ Erika de la Llave y Carolina Politi

Víctor / Omar Mendoza

Vieja, cuñada/ Teresa Rábago

Muchacha 1, lavandera, vecina/ Norma Márquez

Muchacha 2, lavandera / Gabriela Moreno

Dolores, cuñada/ Judith Arciniega

Pastor 1/ Gustavo Jimenéz

Pastor 2/ José Refugio García Guerrero

Créditos

Adaptación/ Mauricio Pimentel y Lucía Puente

Diseño y asesoría de Escenografía e Iluminación/ Philippe Amand

Iluminación / Gustavo Jiménez

Producción Ejecutiva/ Tatiana Maganda

Duración: 1 hora 50 minutos

MUESTRA ALTERNA

Arrabal

Grupo: Arte Acción Teatro de Movimiento

Distrito Federal

Texto: Mario Rene Matute.

Director: Gerardo Sánchez

Sábado 25 de noviembre de 2006

Plaza Constitución, Pachuca

12:00 horas

Sinopsis

En Arrabal convergen diferentes personajes, que por azares del destino tienen que ver entre si: “La Puta”, “El Padrote” , “El Tokes” , “La Loca del barrio” , “El chueco” , “La Madrota”, ”El Artista”, “El Cura” y “La Muerte”; en un tiempo en que los personajes regresan a esta vida después de muertos.

Reparto

El Cura / Gerardo Sánchez G.

El Artista / Saeed Pezeshki P.

La Muerte / Maricarmen Graue H.

El Chueco / Mario Alba Islas

La Loca / Ma. de Lourdes Arroyo M.

El Tokes / Juan Carlos Martínez D.

La Madrota / Guillermina Hernández O.

La Puta / Teresa Carlos Yañez

El Padrote / Edgar Reyna Flores

Créditos

Entrenamiento Corporal y Asistencia Coreográfica / Teresa Carlos Yañez

Expresión Teatral y Corporal / Gerardo Sánchez

Textos / Mario Rene Matute

Instalación Escénica / Arte Acción 04

Escenofonía / Rodolfo Sánchez Alvarado

Diseño y Confección de Vestuario / Gamaliel Islas Suárez

y Myriam Haydee Méndez

Diseño e Iluminación / Hugo Heredia

Duración: 60 minutos

Crímenes del corazón

Compañía de la Comunidad Teatral del Estado de Hidalgo

Hidalgo

Autor: Beth Henley

Dirección: Luis Carlos Cabrera

Sábado 25 de noviembre de 2006

Auditorio Fernando Soto, Tulancingo

18:00 horas

Sinopsis

La obra representa la frustrada vida de tres hermanas provenientes de una familia disfuncional en un momento crucial para una de ellas. Deudas pasadas, rencor, envidia, contraposiciones, pero sobre todo la soledad de cada una de ellas, desembocan en un final inusitado.

Reparto por orden de aparición

Leonor Josefina Monzalvo / Carmen Ruiz

Chick de Butrón / Ana María Velázquez Ogaz

Martín Portillo (Doc) / Fernanado Pérez Romero

Margarita Monzalvo / Alicia Pérez Romero

Rebeca Monzalvo / Karen Cortés

Bernardo López / Jonathan Rebolledo

Créditos

Juan Manríquez Ramos / Escenografía

Luis Carlos Cabrera / Musicalización

Compañía de la Comunidad Teatral / Maquillaje y Vestuario

Alejandro Patiño / Iluminación

Duración: 1 hora 40 minutos

Continúa la búsqueda del más sexy de la Muestra

2006-11-24T22:14:00.000-08:00

Redacción

Gracias a las cientos de mujeres y hombres que han emitido su voto para determinar al ganador del Primer concurso de atractivo visual masculino. Cuatro de los siete cotizados galanes que buscan el triunfo pueden ser admirados a continuación. Aquellas y aquellos que quieran unirse a este ejercicio de crítica y reflexión, pueden depositar su voto en el Teatro San Francisco. La competencia está por concluir.

Agregamos la representación de Diario de la Muestra, dignamente encomendada a Carlos Sevilla y Roberto Villalpando, heroicos fotógrafos de este diario.

Quería ser un cabrón

2006-11-24T22:11:00.000-08:00

Alberto Susano *

Relato

Cuando inicié mi “carrera” allá por 1997 y con 18 años de edad soñaba con ser un gran cabrón del teatro, no había otra idea en mi cabeza, quería llegar a participar como los grandes en una Muestra Nacional de Teatro, a como diera lugar. Comencé en la escuela de artes, con maestros que de alguna manera lo siguen siendo; era un rebelde, quería hacer, decir y ser como ahora es Enrique Olmos, pero ahora que lo veo, creo que fue un acierto no serlo, pero quería tragarme el mundo, ahora me doy cuenta que hasta lo regurgité.

Al paso del tiempo la idea de ser cabrón era más grande, no lo entendía así que me fui donde creí que realmente me iban a enseñar. Con esa idea, llegué a la Ciudad de México, primer paso, estudiar con mi gran paradigma, Nicolás Núñez. Yo no sé si él aporto algo en lo que respecta a ser cabrón, pero me inició en un camino más grande, el del ser humano, aprendí a querer ser un mejor ser humano, y hasta me enrole en asuntos esotéricos más serios y de los cuales tengo prohibido hablar, sin embargo aún no era profesional.

En la UNAM me enseñaron que ser cabrón era meterse unos churros entre clase y clase, no comer y dar cátedras de filosofía para cuestionar a todos mis maestros. Hasta que conocí al que me alejó de ese ser cabrón, no hablamos del tema, sino de teatro, entre otras cosas me enseño las sutilezas y las profundidades de la dramaturgia. Por cierto, a dicho maestro se le canceló su participación en esta muestra sin mayor explicación, no diré nombre pues no quiero afectar la situación, pero creo que muchos ya sabrán a quien me refiero, sí, ese, algunos unen su nombre con Freud por mofa, no digo más. Sí, aprendí mucho pero aún no era profesional.

¿Y en la ENAT? Bendito sea dios, no duró mucho el ensueño, quizá porque no era cabrón, mi inconsciente me defendió, sin embargo aprendí allí que ser cabrón es querer hacer teatro de alto presupuesto en un país que carece precisamente de eso. Carajo, ¿y no se suicidan cuando salen?

En fin, regresé a mi querido estado vomitado por el sucio ambiente, en todas las esferas, del Distrito Federal, con unas buenas obras escritas y alabadas por algunos maestros de allá, pero cuando, iluso, las mostré a algunos maestros de acá, resulta que aún no era un cabrón: que escribir cabrón era escribir como Enrique Olmos, olvídenlo...

Ingresé al IDA en la montaña Hidalguense, y todo iba bien: muy buenos maestros, muy buena técnica, hasta que los buenos maestros se fueron y quedaron los que me enseñaron que ser cabrón es retorcerse como trucha sin agua en la duela, poner música densa y pintarme de color rojo. Me aborté del IDA sin ser un cabrón.

Armé un grupo de teatro con hermanos conocidos en el IDA. Comenzamos a hacer teatro en la montaña. Hicimos proyectos de investigación con gran aceptación de algunos asesores y maestros, pero no logramos ser cabrones. A pesar de ser festejados y bien recibidos por nuestro público, amados en la montaña y lugares afines.

Y llegó la Muestra Nacional de Teatro. ¡Metan todos sus proyectos para haber si pega en la representativa, o en la alterna! Le macheteamos, estábamos ansiosos, pero nuestro mismo proceso nos hizo entender que no nos interesaba la muestra, nos interesaba algo más propio... así que abortamos la idea de meter propuesta. Fui llamado a asistir una dirección para una de las representativas del estado, buena experiencia, mucho aprendizaje, pero no más. Asistimos diario a ver obras de la muestra y nos seguimos preguntando: ¿esto es ser cabrón? (benditas sean las pocas excepciones).

La lección más grande sobre ser cabrones la tuvimos en la comunidad teatrera del estado, donde ser profesional es decir con mucha altivez que el teatro del estado es pedorro, chillar por los espacios y por los presupuestos, que todo el teatro aquí es malo, menos el mío, pero como ya hay muchos que lo dicen, decidimos quedarnos en nuestra montaña, haciendo teatro, nada cabrón, para un público que no son nuestros compadres porque ni tenemos, un teatro de un aquí y un ahora palpable y real.

*Director de Erotema-Caos teatro e investigación (grupo desconocido para la comunidad teatral, por fortuna). Defensa lateral del equipo Ahí les va la vara, campeón del torneo relámpago de fut de la Muestra. Asistente de dirección de Fernando de Ita. Y, “yo si le voy le voy a los PUMAS”.

Lo reciente

2006-11-24T22:04:00.001-08:00

Sobre los creadores hidalguenses

En la década de los setenta, el público hidalguense fue testigo de un gran movimiento teatral de compañías, actores, directores y creadores, originarios del estado o inmigrantes. Cada uno dejó testimonio en los escenarios de la entidad y el extranjero. El trabajo se reflejó en propuestas de grupos como Teatro estudio, dirigido por Arturo Romero, que desde 1978 y hasta principios de los ochenta participó en el Festival del Siglo de Oro del Chamizal, con obras como El anzuelo de Fenisa y Fuenteovejuna.

También aparecerían en escena los grupos Hecho en México de Jorge Skinfield, El Clan de Luis Carlos Cabrera, Catarsis de Víctor Santoyo y que actualmente dirige Fernando Pérez Romero.

El Grupo Intento dirigido por Emmanuel Márquez llegó a Pachuca, después del terremoto de 1985 que azotó a la Ciudad de México. Su trabajo no se limitó a la producción de espectáculos, propició la apertura del espacio teatral denominado El corral de la cabra.

De manera independiente, en ensambles y grupos Arturo Cabañas Dimas, Daniel y Alicia Pérez Romero, Ana María Velásquez, Francisco Meléndez, Tere Arciniega (qepd), Julio Oviedo, Alejandro Patiño, Francisco Arrieta, Carmen Chacón, Antonio Guerrero, Patricia Rodríguez, Edmundo Lima, Jesús Islas, Jorge Antonio García son algunos de los hombres y mujeres que con su talento y esfuerzo han permitido que esta actividad tenga vida.

El movimiento continúa, existen creadores decididos a posicionar el teatro que se produce en los municipios y en la capital del estado; entre otros puede mencionarse a los grupos Ars Vita, Teatro de títeres de Ricardo Vega Casco y Lourdes Miramontes, originarios de Cuautepec. En Actopan, La compañía Leba a cargo de Abel Pérez Ángeles.

En Tulancingo Su majestad la farsa de Anuar Jottar Magdaleno; y Teatro Arlequín por Eduardo Hidalgo Sosa.

En Pachuca, los grupos Juglares Ruelas de artes escénicas de Luis Manuel García Aguirre; Dúo teatro estudio dirigido por César Hernández y Myrella Velasco; Cuerda bajo la dirección de Myrna Vargas; La vela teatro de Darío Pantaleón; Escena teatro por Marisa Gómez; Foro Cultural Helénico de Rafael Tirado y la Compañía de la comunidad teatral de Hidalgo.

Cada uno tiene su propia propuesta escénica, pero es indudable que la constante entre las compañías es la preocupación por establecer sus mecanismos de producción y difusión y la apertura de espacios. La tarea es ardua, pero vale la pena para continuar alzando el telón y asumiendo al teatro como una decisión de vida.

Vencer al Sensei: gracia, artes marciales y plasticidad

2006-11-24T21:58:00.000-08:00

Juan Carlos Hidalgo

"Descubrí que la vocación de un samurai es la muerte".

Hagakuré

(Libro del Guerrero)

En toda relación entre maestro y alumno se crea una tensión que se comporta como un elástico que se estira con flexibilidad. En un extremo se encuentra el odio, en el otro, ya se sabe, el amor. Entre ambos se da también un espíritu de competencia; un instinto que lleva al novato a querer superar a su mentor y hace que el veterano ansíe sobrevivir. Todo ello se hace más explícito cuando media entre ellos un ámbito marcial, como el que se da en la práctica de las artes de combate orientales.

Vencer al Sensei es un rara avis en el paisaje teatral mexicano, pues combina combates con sable, karate y acrobacia con fragmentos textuales apenas esbozados. Se trata de un pieza performática en la que se aprecia un conocimiento del teatro Kabuki, de los malabares típicos de la Ópera de Pekín, pero también un gusto por las comedias de la era del cine mudo a lo Chaplin, Harold Loyd y Buster Keaton.

Durante los poco más de sesenta minutos que dura la representación, los segmentos de combate se suceden unos a otros: con katana, palillos chinos, una botella, sombrillas, entre otros objetos. Pero no se basan en la solemnidad de una pelea llana, sino que se convierten en conectores entre pasajes humorísticos, que relajan el tono e inyectan mucho sentido del humor al montaje, con lo que se emparentan también con la vasta tradición de cine chino sobre guerreros del templo Shaolín y las primeras cintas de Jackie Chan, mitad comedia bufa mitad kung fu coreográfico. (Quizá los espectadores más jóvenes sólo tengan en mente filmes tales como El Tigre y el dragón (00) de Ang Lee o La casa de los cuchillos (04) de Zhang Yimou).

Visitar al Sensei funciona como un espectáculo universal. Su mensaje se comprende más allá de que el venerable guía hable en japonés o sólo grite. Por alguna extraña razón su discípulo –ese pequeño saltamontes- si habla español y nos confiesa su ilusión y da cuenta de añejas batallas libradas por su maestro. Con todo, lo que priva es la sencillez semántica, la fuerza de la expresión gestual y corporal por sobre la palabra.

Mauricio Galaz, en calidad de alumno, y Richard Viqueira, autor, director, coreógrafo y Sensei, hacen gala de sus capacidades físicas, que no son pocas, acompañados de una frágil Geisha (Rossana Vega), que aporta sensualidad y ligereza. Para un público amplio de miras está puesta quizá le remita a un pasaje del Circo du Soleil, y puede que sea cierto. Tal vez sólo los puristas se incomoden, otros muchos harán suya la plasticidad de un respetable trabajo de Kraken Teatro, que fue apoyado por la Dirección de Teatro de la UNAM.

Sin duda, una pieza afortunada y peculiar que destaca entre lo ofrecido entre la Muestra Alterna, cuya oferta programática no hace sino ampliar las posibilidades de conocer diferentes estéticas y temáticas, más allá de quien con corteza de vista sólo quiere percibir en ella aislamiento y desigualdad. Valga recordar que en todo Festival o Muestra de estas proporciones los horarios y eventos se superponen. Buena falta les hace a quienes se dicen “profesionales” dejar por un rato la aldea y darse un tour más allá del patio de su casa.

Con todo, prefiero subrayar el grato encuentro con una pieza como Vencer al Sensei, un entrecruzamiento de géneros y tradiciones maduro y afortunado, y en el que la belleza no habla un idioma en particular; corre libremente y brota de un lance circense, de un maniobra de aikido o del vuelo del sable. Tal vez todos llevemos un guerrero por dentro, un pequeño Mishima, aunque el mensaje zen que nos regala el aprendiz nos recuerde que a estas alturas de la historia, el mundo está vacío.

¡Son mis patas…!

2006-11-24T21:56:00.000-08:00

Carmen Zavaleta

Sobre Cicatrices

¡Las que me están moviendo!… Anoche, durante la función de Cicatrices, el trabajo dirigido por Janet Pinela y representante de Colima, esta frase (escuchada en una de las entrevistas en video que integraban el espectáculo), me despertó: el relato de las ruinas que dejó el terremoto de 2003 en Colima, era un buen intento, que se desdibujó.

Y la cosa era extraña: porque al inicio, la presencia de Tere Rábago (con el gusto que me implicó volver a verla sobre al escena), la arriesgada propuesta de la dirección con las imágenes, el complicado y efectivo trabajo técnico, las proyecciones: prometían un viaje interior, una despedida y la soledad como algo entrañable.

Pero no sucedió en su totalidad.

A mi modo de ver las dramatizaciones de eventos tan devastadores como los terremotos, deben ser capaces de sintetizar la destrucción que se origina: la física, la emocional, la social. Ya una vez un terremoto me enseñó (como a millones de mexicanos), que después de que se mueve la tierra, lo jodido es reconocer las carencias económicas y la falta de interés políticos.

Lo verdaderamente entrañable es la actitud humana.

Lo endiabladamente difícil es llevarla a escena.

En Cicatrices, el trabajo estaba a la vista, con este sabor de equipo escénico comprometido y que apuesta por transformar los momentos de crisis en un evento creativo, cuidando de no caer en la inmediatez (por lo reciente del evento); sin embargo, el movimiento no fue suficiente.

Propuesta de reforma

2006-11-24T21:55:00.000-08:00

Para el fortalecimiento de la identidad de la comunidad teatral en los estados

Myrna Vargas

A partir de las inquietudes expresadas de diversas formas en relación a la participación de los creadores de Hidalgo en la Muestra, y de mi propia reflexión al respecto, me surgió una propuesta de “reforma” que pudiera encausar estas inquietudes. Sé que así como se está dando esta situación ahora, es frecuente que ocurra siempre.

Si bien la Muestra Alterna ha sido una afortunada opción para difundir el trabajo de los creadores del estado sede y otros invitados, me parece que el ser sede de la Muestra Nacional de Teatro es una oportunidad para que se conozca el de la entidad, no sólo a través de sus puestas en escena seleccionadas en la Muestra Grande y en la Alterna, sino a través de un espacio de tipo Foro, en el que el estado se presente con otra profundidad analítica ante la Muestra.

Sería interesante que la comunidad teatral de los estados sede prepare ponencias y materiales, de manera previa a la Muestra. Estos materiales serían expuestos en un foro en que investigadores, directores, dramaturgos y actores hablaran de su trabajo y del trabajo del estado de voz viva, desde una perspectiva amplia, histórica, estética y sociológica, para poder superar el estadio de dimes y diretes, de calificativos y análisis autoreferenciales.

Ésta, considero, sería una chamba interdisciplinaria muy enriquecedora tanto para la comunidad estatal como para la Muestra Nacional, ya que de esta forma, el estado se reconoce y se “explica” a sí mismo pensando en posibles soluciones y rumbos de su quehacer; mientras que los invitados, al escuchar, puedan enterarse, aportar, retroalimentar y, por qué no, aprender de esto.

Creo que ya que la Muestra es itinerante, sería muy enriquecedor y fortalecedor de la identidad, que el estado anfitrión tenga esta responsabilidad y privilegio a la vez. Puede ser una oportunidad para profundizar en esta intención de descentralización que tanto nos preocupa y que por momentos se desdibuja o transforma en una especie de doctrina Monroe para el Centro (descentralización para que los del Centro tengamos chamba en los Estados, pero no para propiciar el desarrollo de los mismos). Aclaro que no quiero decir que este sea el caso de esta Muestra pero sucede a menudo.

Aunado a esto, y en la misma intención de fortalecimiento de la identidad, propongo que sólo en el caso del estado sede, se retome el formato de Muestra estatal con público, para la selección de los participantes de la Muestra Alterna y que ésta, en su momento, tenga la atención de los medios nacionales.

Por fortuna, en esta emisión, Hidalgo propuso una Muestra Retrospectiva de su quehacer que aunque breve, es un avance en la intención.

Ojalá la comisión de la Muestra pueda considerar esta propuesta concreta, la cual a la vez que fortalece nuestro sentido de identidad como federación con mayor profundidad, elevando el nivel de discusión.

myrnavar@hotmail.com

Radio pasillo

2006-11-24T21:52:00.001-08:00

* Una de las grandes discusiones pendientes es el asunto de la necesidad de los actores de diversificar su trabajo. El ideal de -casi todos- es vivir absolutamente del teatro, pero en el camino surgen opciones como ser maestros de voz, de talleres para niños y adolescentes, promotores, críticos, técnicos y hasta funcionarios. ¿Se responde genuinamente al interés por conocer y desarrollar otras áreas o es la puritita necesidad de sobrevivir chambeando?, y más allá ¿qué clase de ética se aplica en estos casos?

* Dicen que el silencio mata o ¿es mera indiferencia?

* Si alguien ve por ahí al Licenciado Ángeles, dígale por favor, de parte de los técnicos del San Francisco, ganadores del torneo Lo que quedó de mi juventud, que no se haga pato con el trofeo, que esperan noticias suyas.

* Que el Diario de la Muestra está muy verde. Agarremos la onda que el Diario es como Pancho López: tiene que nacer, crecer, reproducirse y morir en una semana… ¡Y ser maduro desde el principio! ¿Quién avienta la primera piedra?

Triple Suicidio

2006-11-24T21:49:00.000-08:00

Eduardo Vázquez Martín

Sobre Doble suicidio

Adaptada, producida, dirigida, iluminada, musicalizada por Abraham Oceransky, Doble suidicio creó unas expectativas que desgraciadamente no cumplió. El amor y el compromiso con el teatro de Oceransky está fuera de toda discusión: su interés por penetrar el alma cultural de oriente es mayor que el del propio José Juan Tablada, Salvador Elizondo u Octavio Paz. Se trata de una propuesta estética que va desde la creación de paisajes escénicos hasta la meticulosa selección de cada uno de los quimonos, de la investigación musical y el uso riguroso pero creativo de los instrumentos tradicionales al cuidado del maquillaje y la iluminación. Todos estos elementos nos permiten acceder a un mundo donde la belleza manda, donde la estética es la ética, y donde la pasión no es un caballo sin rienda sino la servidumbre estoica del corazón sobre la razón.

Doble suicidio adapta para la escena Los amantes suicidas de Amijima (1720), la obra más importante del dramaturgo Chikamatsu Monzaemon, considerado el “Shakespeare japonés”, la cual fue escrita originalmente para teatro de muñecos Bunraku y luego para teatro Kabuki. Como el propio Oceransky explicó a modo prolegómeno a su obra, estamos ante una “Romeo y Julieta más adulta y sincera, por ello me atrevo a reinterpretarla para nuestro mundo occidental con algunos toques de animé y de manga contemporáneos, empleando música en vivo con instrumentos clásicos de Japón como el shamisen.”

Sin embargo, el trabajo de más de dos meses sobre los actores no resultó efectivo: Koharu (Liliana Hernández) y Digei (Claudio Emilio Meléndez), los protagonistas centrales de la tragedia, jamás logran encarnar el drama que les impone su destino; el lazo emocional que les impide separar sus existencias y los lanza a la muerte no logra ser encarnado, siguen el guión con precisión pero sin pasión, de modo que la tragedia se desmorona hasta hacerse injustificable. Susana Saldaña Argáez (narradora principal) sostiene la obra, la propia esposa de Digei levanta la intensidad del drama (Como el la novela La seda de Alessandro Baricco, es capaz de amar la pasión de su propio marido adúltero), pero la incapacidad interpretativa de los amantes termina haciendo injustificable el suicidio.

Finalmente Oceransky se regodea en una escena final, la del suicidio, cuya inverosimilitud no sólo puso en riesgo la representación de la tragedia sino que provocó la risa del público; la tragedia devino en farsa, la incontinencia y la autocomplacencia terminaron en el suicidio de la dirección.

Exposición Retrospectiva del Teatro en Hidalgo

2006-11-24T20:46:00.000-08:00

Durante el proceso de investigación y recopilación para realizar la Exposición Retrospectiva del Teatro en Hidalgo, se recibieron programas de mano, fotografías, placas, reconocimientos, cuadernos de trabajo, bitácoras, documentos históricos, vestuarios y títeres. Cada uno de ellos dio cuenta del trabajo que durante décadas se ha realizado en el Estado. Aquí imágenes que – a pesar de no encontrarse en la exposición- son un testimonio de nuestro quehacer escénico.

004. Planta técnica del Teatro Romo de Vivar

Colección: Alejandro Patiño

007. La rana encantada, 1999

Autor: Lourdes Miramontes y Jorge Vega

Director: Jorge Vega

Colección: Grupo Ars – vita

Cuautepec

019. Los sueños de Cristobalillo, 1992

Autor y director: Alonso “Coco” Barraza

Colección: Jorge Vega

020. El sueño del ángel, 1995

Autor: Carlos Solórzano

Director: Jorge Vega

Colección: Grupo Arts – vita

Cuautepec

036. Fuenteovejuna

Ca 1983

Autor: Lope de Vega

Director: Arturo Romero

Teatro Estudio

Colección: Leticia Farfán

054. Elenco de Heil, El pequeño Malcolm y su lucha contra los eunucos

Ca 1983

En la foto Leticia Farfán, Arturo Romero, Anuar Jottar Magdaleno, Jesús Cuevas y Raúl Garduño.

Colección: Jesús Cuevas

Hagamos un tambor con tu piel

2006-11-24T20:44:00.000-08:00

Fernando de Ita

Sobre Doble suicidio

Es fácil tomar a burla el tremendo respeto que tiene Abraham Oceransky por la cultura oriental, pero antes de hacerlo hay que considerar que este singular creador de nuestro teatro no es un advenedizo en la materia. De hecho, el viento del lejano oriente sopla en la obra del maestro desde sus primeros trabajos para la escena. Cuando nadie tomaba como modelo de movimiento la mecánica corporal de los samurais, Oceransky la utilizaba para marcar su raya en el escenario, en obras memorables como Simio y Acto de amor.

La occidentalización de Doble suicidio, la obra emblemática de Chikamatsu Monzaemon, dramaturgo japonés del siglo XVIII, es la cima de una fascinación compartida por Abraham con grandes figuras del teatro europeo como Antonine Artaud y Jerzy Grotowski. Ahora sabemos que Artaud confundió los principios del teatro balines, y que esa confusión enriqueció notablemente la ética y la estética del teatro europeo.

En esta ocasión, el fundador del Teatro Studio T, con sede en Xalapa, no utiliza, como en otras obras, la influencia del teatro oriental para definir la forma de su puesta en escena, sino que apuesta de plano por la mimesis del Kabuki y el Banraku para reinterpretar, como él dice, la tragedia de dos amantes que, a la manera de Romeo y Julieta, son condenados al suicidio por las costumbres dominantes.

A Monzaemon se le considera el Shakespeare japonés, y sus obras son representadas con veneración por todo lo que le dicen a sus coterráneos. Hasta un mero aficionado como yo al teatro oriental sabe que los textos de ese teatro no se expresan solamente en palabras sino que la intención verbal es completada por los gestos y movimientos de los actores. En otras palabras, hay códigos formales, posturas ancestrales, gestos específicos, movimientos precisos que conforman el alfabeto del teatro oriental. Se puede, entonces, contar la historia de Koharu y Digei a la manera occidental, esto es, textualmente, pero es prácticamente imposible narrarla culturalmente porque nuestros actores y nuestro público no tienen los referentes necesarios.

Por ello, es difícil apreciar el enorme trabajo del director y los intérpretes para colocarse en la postura física y mental que exige esa manera de contar el mundo. Se ve que hay una disciplina samurai en todos los actores que participan en esta traslación de la tragedia nipona, pero el resultado siempre será limitado porque un actor de Kabuki no requiere 8 meses sino 8 años para llegar a escena.

En estas condiciones, el desmesurado intento de Oceranski por apropiarse de otra tradición no tiene la recepción que merece, y yo no culparía al público por no entrar a la convención que le proponen, simplemente porque le es ajena, y al no tener todo el poder de la tradición a la que imita, lo deja fuera.

Antes de teatrero, Abraham fue músico, y aquí está en escena tocando una versión del Shamisen. Él nos dijo que este instrumento es muy apreciado en el Japón por los sutiles sonidos que provoca, pero en sus manos sonaba, por momentos, como guitarra de rock. Acaso aquí este el resumen de su intento.

Yerma

2006-11-24T20:42:00.000-08:00

Con diversos recursos escenográficos, la ambientación de Yerma invitó a los espectadores a subir con el elenco al viaje.

Heda Gabler

2006-11-24T20:37:00.000-08:00

Anoche en el Teatro San Francisco se presentó Lisa Owen, con el grupo Producciones de Alcoba. En el papel de Heda Gabler, de la obra del mismo nombre, esta mujer se debate entre dos realidades: un mundo idóneo lleno de belleza y de acciones sublimes; y una realidad burguesa y mediocre.

Fotografía escénica: un arte que representa otro

2006-11-24T20:35:00.001-08:00

Fotografía escénica:

un arte que representa otro

Roberto Perea

El teatro es en esencia un acto efímero que desaparece después de cada representación y que perdura fundamentalmente el la memoria de los espectadores que tuvieron el privilegio o la desgracia, según sea el caso, de presenciar el hecho escénico.

En este sentido la fotografía viene a ser un instrumento importante para ofrecer un reflejo de lo que fue una puesta en escena. Tal es el caso de las 50 fotografías de formato espectacular (3m x 2m), colgadas a manera de pendones en diferentes espacios públicos de Pachuca, que buscan atrapar al espectador e invitarlo a asistir a las actividades de la XXVII Muestra Nacional de Teatro (MNT).

Se trata de imágenes que reflejan lo que ha sido la MNT a lo largo de sus XXVII ediciones, no sólo como un registro documental sino a través de imágenes de gran belleza estética realizadas por cuatro fotógrafos que han sido testigos presenciales en numerosas muestras de teatro y que son reconocidos nacionalmente como los hacedores del acervo documental fotográfico del teatro mexicano: José Jorge Carreón, Fernando Moguel, Enrique Gorostieta y Marco Reyes.

“La fotografía –afirma Fernando Moguel- es importante porque convierte un arte efímero en algo perdurable, una forma de reconocer a través del tiempo la plasticidad de un montaje. Porque nuestro trabajo no es sólo hacer un registro sino tratar de captar la estética y la esencia de una obra para que el resultado fotográfico sea también un arte.”

“Desafortunadamente –considera Enrique Gorostieta- así como el teatro se queja de la falta de atención del aparato cultural, sea de gobierno o privado, el mismo teatro se desentiende del registro de su actividad. Los grupos, las instituciones, no le dan la debida importancia a ese registro, por eso es necesario que las iniciativas de acervo sean integrales y no sólo para algunas artes y que se invierta en trabajos de calidad, porque a veces hay iniciativas que son desaprovechadas por la falta de criterio para evaluar la calidad del material que se desea obtener.

“Ojalá este tipo de iniciativas como el de la MNT, que presentan trabajos de calidad, hagan ver que vale la pena invertir en un buen registro documental, más allá de las fotos que toma la prima o la tía que asistió a la función”, agrega el fotógrafo regiomontano.

José Jorge Carreón afirma que el común denominador en el criterio de quien necesita o simplemente gusta de una foto es muy superficial. “Hasta ahí estoy de acuerdo en que le den importancia a nuestro trabajo como registro documental, pero me gusta pensar que nosotros lo hacemos como un proceso personal y en este sentido lo considero una creación.

“No todo mundo lo entiende así ni lo necesita así. Pero en todo caso –añade Carreón- es una necesidad propia de interpretación o reinterpretación de otra manifestación artística, entonces lo nuestra se convierte en un híbrido, una arte que representa a otro”.

Al igual que el teatro, la fotografía no es entendida exactamente de igual manera por todo el mundo, hay quien la ve y quien no, a veces es reconocida o no por los propios creadores. Pero sus autores se dan por satisfechos si una imagen provocó algo en un espectador para despertar su interés por acercarse al hecho escénico.

En el ámbito de la MNT nuestros fotógrafos son reconocidos con calidez como cualquier hacedor de teatro, sea actor, director o dramaturgo, como una parte importante del proceso teatral en su conjunto, aunque desafortunadamente esto no sucede en otras esferas.

Sería difícil imaginar una publicación teatral como Paso de Gato o las ediciones de El Milagro o Escenología, por mencionar algunas, sin una imagen producida por estos artistas de la lente que sustentan lo que la palabra pueda decir acerca del fenómeno escénico.

Fotografías de Enrique Gorostieta

El trabajo que no se ve: el de tramoya

2006-11-24T20:32:00.000-08:00

Editorial

Aida Suárez Chávez

Definitivamente el esfuerzo teatral, de cada puesta en escena, se ve compensado con el trabajo que realizan técnicos, tramoyistas, iluminadores, sonidistas y realizadores.

Todo el equipo especializado del Instituto Nacional de Bellas Artes ha acudido a Hidalgo para desplegar sus conocimientos, experiencia y herramientas para el montaje de las obras en los distintos escenarios, lo cual lo hace complejo y completo. Fortalece al equipo de técnicos del estado.

La labor es inusitada en Hidalgo, nunca antes se habían montado tantas obras en sólo nueve días. Treinta y un puestas en escena han requerido de movimientos precisos tanto en Pachuca como en diez municipios más.

“Somos parte de la fiesta” ha dicho el equipo al mencionar que trabajan entre 16 y 18 horas diarias en la instalación y retiro de escenografías incluso de un día para el otro.

Cada equipo, el de casa y el del INBA dice ponerse la camiseta en cada una de las obras para asegurarse de que se cumplen con todos los requisitos de la producción, bajo la coordinación de cada una de las compañías.

Sin duda, durante esta XXVII Muestra Nacional de Teatro se ha presentado lo más innovador y contemporáneo, a pesar de que el género sea costumbrista o no.

Incluso los mismos técnicos han dicho que las instalaciones los ponen a prueba, a pesar de ello, la disposición no cesa y se unen al reto, a la enseñanza.

Julio Oviedo, jefe de Foro del teatro San Francisco, en Pachuca, consideró que con un equipo de siete personas más, realizan el trabajo, incluso desde la víspera de la Muestra, con el fin de dejar los foros listos para recibir los nuevos materiales que se han podido ver en escena.

Alejandro Patiño, coordinador técnico del teatro Hidalgo Bartolomé de Medina habló del importante apoyo del personal del Inba, que es el más especializado en el país, incluso el que ha acudido a los principales festivales.

Los dos equipos de Hidalgo, que dependen del Consejo estatal para la cultura y las artes, dijeron que lo mejor es vivir la experiencia de la Muestra ya que es aquí donde se han presentado las tendencias del teatro.

A la instalación de cada escenografía, se suma la cábala de la comunidad teatral. Aunque cada compañía sigue la suya, los técnicos muestran el respeto correspondiente y responden favorablemente. Sin embargo, ellos mismos no tienen un ritual o superstición qué seguir.

De leyendas sí hablan. De los escenarios en donde se aparecen fantasmas pero la única vez que asustan, dijo Oviedo “es cuando no pagan”.

De supersticiones sí hay mucho qué contar, de entre la intervención de actores y actrices: el que cuando va a entrar al escenario retrocede tres pasos; del que pide que se limpie por completo el escenario, el que pide que no se limpie, el que pide flores o bien, quien deposita dulces en todo el escenario para brindarle a los duendes.

De todo se podría escribir.

Técnicos, tramoyistas, sonidistas, iluminadores y realizadores tienen en esta MNT la posibilidad de integrarse a la fiesta. Aquí el reconocimiento de la comunidad teatral.

Taller Fundamentos básicos. Reflexiones

2006-11-24T12:38:00.000-08:00

Jacinto Lagunas Cruz

El Teatro es uno de los herederos directos de la convocación del aquí y ahora. Sólo que en términos generales, se ha convertido en una especie de depositario disfrazado.

Con esta idea nos recibió el maestro Nicolás Núñez el sábado 19 de noviembre, a los participantes de su taller. Nos ha planteado la oportunidad de atravesar tres umbrales de conocimiento interno. El primero de ellos: conócete a ti mismo. En él, hemos reflexionado ¿quién soy yo? Hemos respondido en diversa forma, desde el nombre y la edad; pasando por nuestras pretensiones y anhelos; hasta llegar a confesar relaciones incestuosas o iluminaciones místicas.

Yo soy yo, más mis circunstancias. Llegados a estas divagaciones nos hacemos la pregunta en tercera persona ¿quien es Jacinto?, ¿el actor de reparto en el programa nacional de teatro escolar?, ¿el padre de una Beatriz, niña de 9 años? Podría responder que él es eso y más. La labor de definir a esta persona, a este hombre que habita mi cuerpo, es extenuante.

La pregunta podría tener infinitas respuestas y resulta que no se puede responder. Ahora viene a mi memoria la réplica de mi hermana Isabel: “no te conozcas a ti mismo, te ahorrarás muchas decepciones”. El primer umbral me ha iluminado, y cegado, el sendero del conocimiento es arduo, interminable. No se puede conocer en su totalidad el ser, al intentar saber como esta constituido el objeto lo modificamos con el instrumento de nuestro escrutinio.

El maestro Nicolás nos hablaba sobre los actores “plomo” que se resisten a comunicar la totalidad del mensaje teatral, a diferencia de los actores “oro” que comunican con fineza integral. Una de las finalidades del curso es reconocer nuestro estado como actores, ¿Qué tanto estoy comunicando? ¿A quién va dirigido lo que quiero comunicar? ¿Cómo me preparo para comunicar? Dentro de una serie de cuestionamientos introspectivos sobre el ser debemos consultar nuestra propia esencia, indagar nuestro origen remoto y nuestras circunstancias inmediatas; apropiarnos de nuestro proceso cognitivo.

A través de ejercicios de circulación energética recobramos el vínculo que nos une con la inmensidad. Abandonamos el Yo cotidiano para recuperar el Gran yo infinito: inconmensurable. ¿Qué significa todo esto? ¿Es el inicio de una nueva secta escénica? Lo cierto es que hemos sido convocados para conspirar, es decir respirar con el otro, el que hace posible reconocerme como ente único, el que colabora en mi conocimiento de mí mismo; ese otro que forma parte de la antigua nación del teatro, ese paisano desterrado también que tramita su pasaporte de recién venido.

En la cuna del fútbol, teatreros mostraron lo que quedó de su juventud

2006-11-24T01:10:00.000-08:00

¡Hay les va la VARA! el Campeón

El botón limi, el segundo lugar con su goleador Luis Mario Moncada

Raúl Guerrero Bustamante

La mañana era fría, el cielo no había dejado de cubrirse de nubes como en el día anterior; el inmueble vetusto, aquel estadio Revolución Mexicana de Pachuca, ciudad cuna del fútbol mexicano, abría sus puertas a jugadores de una categoría sui géneris: los teatreros, a quienes no se les veía en buen estado; los estragos de la noche anterior deben haber sido fulminates, la nicotina los hacia toser, las piernas flacas a muchos les tiritaban de frío; sin embargo, ahí estaban, eran los pocos valientes que habían podido despegarse las cobijas para jugar este gran torneo relámpago de fútbol; “pus que putos”, respondieron a mi pregunta acerca de aquellos que no vinieron a jugar.

Se organizaron los equipos, el primero de ellos fue uno llamado Dulces compañías, el cual vestía casacas rojas, fue conformado por Roberto Sosa, Roberto Perea, Nahum Torres, Carlos Nophal, Hugo “Paso de Gato”, Juan Velasco, Luis Marín, Roberto “El Milagro” Juárez y Hugo Corripio. Este temible equipo se enfrentaría a El botón limi (SIC), equipo capitaneado por Carlos Aragón e integrado por Ricardo Ezquerra, Matías Gorlero, Diana la rancherísima (sí, toda una dama del campo), Luís Moncada (su más valioso goleador), Ángel Enciso, Leonardo Ortiz Gris, Yurief Nieves y Luís Nevares.

El partido fue reñido, además de reñir entre ellos, los actores-jugadores, reñían contra el viento gélido; como jugadores resultaron ser mejores que los del América, quienes suelen ser buenos actores a la hora de buscar la falta. Este partido se resolvió en un marcador de 7-5, a favor de El botón limi, Luis Mario Moncada fue el autor de la mayoría de los goles triunfales.

El siguiente partido, más que emoción, prometía diversión; un equipo llamado Llanos vamos (SIC), no se lograba completar, rogaban a cualquiera que se integrara, al final, quedó formado por Luís Nevárez, Gabriel Negrete, Ignacio Escárcega, Daniel Serrano, Darío Pantaleón (argentino por si no se logró notar, lo digo por su baja calidad futbolística), Atanasio, Miguel Ángel Canto, una chica llamada Karla y Lázaro Fernández “El Donatello” o “Tortuga Ninja (quien jugó con toda propiedad, vestido de jeans, gabardina y una bufanda atada a la frente). El equipo contrario ¡Hay les va la VARA! (SIC), vale decir que era integrado en su mayoría por hidalguenses, pero además, también en su mayoría, estuvo integrado por los técnicos del Teatro San Francisco. Este equipo fue conformado por Emmanuel Juárez “Chitiva”, Garab Yiram “Stochkov, Lucio Rosales “Cuahu”, Julio Oviedo “Maestro Galindo” o “El Rostro”, Carlos Cortes, Armando García “Carvajal”, Lucio Rosales, el sonorense Cutberto López y el Lic. Humberto Ángeles. Emocionante partido, acciones manchadas, ataques y contraataques; se notó que los actores-jugadores si no aguantan vara con los críticos, menos con los árbitros. Al final, contundente marcador de 2-0 a favor del cuadro hidalguense ¡Hay les va la VARA!

Es el momento de jugar la final entre ¡Hay les va la VARA! vs. El botón limi, mucho juego, muchos pases que hicieron emocionante esta cáscara; sale el sol sobre las cabezas de todos pero no baja el frío, los goles se festejan encobijados. Finalmente el partido se resuelve en un 5-2 a favor de los técnicos, los goles fueron de Oviedo, Garaf y Carlos Cortes; mientras que Luís Mario Moncada hace los dos goles del equipo contrario, ganando con ello el campeonato de goleo con sus 6 anotaciones. El campeón, digno y fragante a sudor, es ¡Hay les va la VARA! quienes levantan la copa, festejan y se disponen a regresar al teatro a seguir con la chamba.

Dulces compañías

Llanos vamos

Pancho Villa y los niños de la bola: la Historia vuelta cotidianidad.

2006-11-24T01:06:00.000-08:00

Hilda Saray Gómez González

Si el siglo XX mexicano se inaugura con la Revolución, el XXI lo hace con un profundo cuestionamiento o por lo menos, con una gran desestabilización de los conceptos que configuraron la noción de lo nacional y su historia. El discurso creado por la Revolución triunfante y sus caudillos, impulsó desde el Estado la narración de la Patria mexicana con su panteón de héroes que la hicieron posible, sus hechos heroicos y ejemplares, sus batallas y sus fechas póstumas. Pancho Villa y los niños de la bola, de Alborde Teatro, nos muestra el revés de la trama de ese discurso. Nos expone a la microhistoria de una región nacional donde los ecos de la Revolución no son sólo retórica, sino experiencia de vida cotidiana y donde la política aterriza para expresarse en emociones y pasiones.

Vemos así, que en su puesta en escena Pancho Villa… acude a los relatos de la tradición oral y la experiencia familiar para reformular el imaginario regional y su pertinencia en tiempos en que los grandes relatos –históricos, estéticos- están en crisis. La obra nos lleva por recorridos emocionales y estéticos que a mi modo de ver pone en cuestión dos grandes mitos mexicanos: la historia nacional y la masculinidad asociada con el machismo.

Por una parte, el mostrar en escena a un Francisco Villa despojado del estereotipo, para exponerse como un hombre que se conmueve y que deja ver sus debilidades emocionales no es cosa menor, pues propone otra manera de acercarse a una figura que se ha llenado de simbolismos para ilustrar discursos políticos. A la reconstrucción de esta figura se suma la búsqueda interior del personaje principal, el que fragmentado en tres momentos de su existencia, nos cuestiona sobre la unicidad del individuo que va siendo a lo largo de la vida en vez de ser el mismo de una vez y para siempre. La infancia, juventud y madurez de Alfredo Chaparro y sus recuerdos, su necesidad de expresarse y la importancia que tiene la figura de lo femenino en su existencia son otros rasgos que nos muestran un modelo alterno al hombre que debe aguantarse porque es muy macho, al que no llora y reprime sus emociones porque sería mal visto. Con estos personajes, la Revolución Mexicana aparece ya no como la gesta de los machos en la disputa del poder, sino como el entramado de vida que aún tiene impulso en el imaginario social y no por sus evidentes efectos políticos, sino por el modo en que los acontecimientos se convierten en hechos históricos y cómo más allá de la historia oficial hay un sustrato humano que siempre está en movimiento.

Alborde teatro, en este sentido, pone en escena una historia que es la representación de la Historia pero desde una voz alterna, desde la voz del subalterno, aquel que los macrodiscursos no consideran, desde la vida de aquellos personajes que no cuentan para el recuento del poder pero que resultan altamente significativos para hallar otros niveles de comprensión de nuestra circunstancia mexicana. Desde el norte, el teatro cuestiona al centro político y retórico del país para mostrarse como un espacio donde se debate lo que se creía inamovible, donde las ideas de género, identidad y nación, más que conceptos cerrados son espacios vacíos que históricamente se llenan y vacían de significado y que en todo caso, no encarnan modelos a seguir o metas a alcanzar, sino procesos de lo que está siendo ahora mismo, como en el teatro.

Fernando de Ita, de la crítica a la creación

2006-11-24T00:54:00.000-08:00

“Un verdadero crítico es aquel que desmenuza, que propone, que crea una corriente literaria”

Roberto Perea

No es común reconocer a la crítica como parte del hecho artístico, fue la frase con la que Fernando de Ita, -quien el año próximo cumplirá 30 años como crítico de teatro y periodista cultural- inició su alocución después de recibir la Medalla Xavier Villaurrutia en la inauguración de la XXVII Muestra Nacional de Teatro.

Esta afirmación resulta particularmente relevante cuando proviene de alguien que ha sido parte del fenómeno teatral desde diferentes trincheras. De hecho, inició como dramaturgo antes de ser periodista y su primera obra: La soledad, fue publicada en 1968.

En su opinión en la tradición mexicana la crítica ha sido vista como algo en contra o fuera del quehacer artístico y no como una continuación o reflexión acerca del mismo. “Pero culpar al otro no nos lleva a nada, el problema es precisamente la distancia, cuando deberíamos estar dentro de la formulación artístico-poética para poder reclamar nuestro lugar.

“En otras tradiciones la crítica es parte consustancial de la propia creación, pero en México la crítica de teatro siempre ha sido muy marginal, de ahí que gente como Jorge Ibargüengoitia haya salido corriendo para dedicarse a la literatura”, considera De Ita.

Pocos han sido los críticos de teatro que se han dedicado casi exclusivamente a esta labor, que no son autores, directores o productores, como fue el caso de Antonio Magaña Esquivel, investigador y pensador del teatro. “No tenemos a más de cinco en la historia del teatro mexicano, yo incluiría a Olga Harmony entre esos pocos. Hemos sido marginados porque no es una profesión la crítica de teatro en nuestro medio, se ve como un agregado, por eso me asombré de que reconocieran en lugar de un creador de escena a un crítico”.

Roberto Perea: Siempre ha convivido el crítico con tu faceta de dramaturgo y director de escena. ¿Cómo ha sido esta relación?

Fernando de Ita: “Yo comencé como dramaturgo, a los 18 años escribí mi primera obra. En ese momento estaba de moda el teatro del absurdo y yo no encontré exactamente por dónde quería ir. Empecé entonces a trabajar como asistente de producción en algunas obras y como periodista. Me fui a Nueva York y desde ahí escribí sobre lo que veía, me lo publicaban en el Excélsior de Julio Scherer y me gustó mucho.

“Pero no he dejado de escribir teatro, tengo unas 12 obras y algunos colegas me han dicho que un par de ellas se salvan. Desde mi primera obra, que fue más conocida como La enfermedad del amor, que estrené en Cuernavaca, en su sabiduría el maestro Alejandro Luna me recomendó no dijera que era mía, ‘no te lo van a perdonar después de 25 años de crítico y como autor te van a decir de antemano que eres un fraude’, me dijo. Entonces dije que era de un autor rumano e invité a varios afamados colegas que salieron diciéndome. ¡qué rumana es la obra! Cuando se enteraron que era mía me odiaron profundamente. Por otra parte nunca me he sentido director, más bien soy ilustrador de mis obras, aunque como crítico estoy en contra de la ilustración.

RP: ¿Qué opinas de quienes consideran al crítico como un creador frustrado?

FdI: “Los grandes críticos tienen todo menos frustración. Si pensamos en gente a la altura de George Steiner, es más creador que muchos autodenominados así. Depende de cada crítico, quizá algunos sí lo hayan hecho por frustración de no llegar a ser autores, pero la crítica exige un sentido de reflexión, de creación, de información, de formación intelectual, de sensibilidad, como la creación artística.

“Un verdadero crítico es aquel que desmenuza, que propone, que crea una corriente literaria, que se apoya en valores artísticos. Cuando la crítica se ejerce con esa consciencia no hay ninguna frustración, la frustración viene cuando de verdad no tuviste éxito y ejerces la crítica con mala leche, pero si no es un terreno intelectual bastante arduo.

RP: ¿Qué sucede con las nuevas generaciones de críticos?

FdI: Tenemos muchos problemas. Yo soy parte del consejo editorial de un suplemento cultural y tenemos muchas dificultades para encontrar relevos, no sólo en la crítica teatral que es muy ingrata sino también en la crítica literaria, que tienen una larguísima tradición en México. Tal vez porque la crítica no paga en ningún sentido, ni económico ni cultural, porque siempre estamos como apestados, al margen, es ingrata la postura.

“Hay nuevas generaciones de actores, de dramaturgos, de escenógrafos, hasta de tramoyistas, técnicos y diseñadores, pero no hay más de tres jóvenes críticos. Eso nos muestra que, con sentido común, se opta por áreas más fértiles de la creación”

Aquí sí hay teatro, aunque nadie venga a verlo

2006-11-23T18:08:00.000-08:00

Marisa Gómez

En este momento, en que veo con cierta claridad que parece que no he participado en esta XXVII MNT, en primer lugar (no puedo negarlo), me duele un poco el ego. Y en segundo, mi resentimiento, (consecuencia inmediata) me hace pensar que el apoyo post-producción que otorgaron a los grupos locales para participar en la Muestra Alterna no era mas que un premio de consolación para mantenernos callados y no hacer olas ante una representación local que estaba acordada de antemano.

Por supuesto me regaño y me digo, Marisa no seas chillona, tú ni de acá eres… ¿Qué esperabas? Y la verdad es que por lo menos esperaba estar en un horario accesible ¡para que alguien viera mi trabajo! Me enoja mi ingenuidad, esa es la verdad.

Merecido y esperado el presupuesto y homenaje a Fernando de Ita. Sin embargo, aún algo dentro de mí rumorea “padrinazgo” en el caso de Olmos de Ita… ¿será por lo “De Ita”? Quizá…

Comunidad pide que permanezca programa de teatros

2006-11-23T18:07:00.000-08:00

Redacción

Grupos de teatro de Sinaloa, Jalisco, San Luis Potosí, Culiacán, Chihuahua, Baja California, Coahuila, Mazatlán, Tlaxcala y ciudad de México enviaron a este redacción una propuesta entregada al presidente electo de México Felipe Calderón, que aborda la necesidad de garantizar la existencia, desarrollo y continuidad del programa Teatros para la Comunidad Teatral.

El documento dirigido también a las comisiones de cultura del Congreso de la Unión y la de Transición de poderes, así como a la comunidad cultural del país, comenta del resultado del segundo encuentro realizado en septiembre en Culiacán, Sinaloa.

Señala que a lo largo de mas de una década estas compañías artísticas y sociedades civiles han demostrado capacidad administrativa, promocional y artística de un inédito y correcto uso de recursos y espacios públicos en beneficio de la sociedad y vehiculo de implementación del mandato constitucional de acercar la cultura a la población rescatando una de las más grandes redes teatrales en el mundo.
Y que siendo el IMSS el depositario de la mayor infraestructura teatral del país (38 teatros, 47 foros al aire libre) es responsable del destino y la administración de esta parte del patrimonio cultural de los mexicanos. Incumbe de manera amplia a los profesionales de las artes escénicas, comunidad artística y a la sociedad mexicana en general.

Por lo tanto, proponen la necesidad de garantizar la existencia, desarrollo y continuidad del programa Teatros para la Comunidad Teatral, ya que es la única experiencia nacional donde los espacios para la creación y representación escénica están en manos de los propios artistas, la sociedad civil. Restituir el carácter de comodatarios que en convocatoria pública obtuvimos legalmente. Además de la adecuada asignación presupuestal de este programa.

La voz oval

2006-11-23T18:04:00.000-08:00

Metadramaturgia en prime time

Juan Carlos Hidalgo

Entre los miembros de la más joven generación de dramaturgos, a la que pertenecen Edgar Chías, Noé Morales y Luís Enrique Ortiz Monasterio, así como el novel autor hidalguense Enrique Olmos, se extiende el planteamiento de que la dramaturgia puede cumplir un rol similar al de la literatura, que se pueden escribir obras de teatro para ser leídas, por principio y final de cuentas. Lo que da otro sentido a la noción clásica de que lo que se escribe como teatro es concebido para ser llevado a escena.

Tan es así que recurren a la lectura dramatizada como una alternativa accesible para mostrar su trabajo. Esta expresión por momentos se muestra como un montaje a medias, como parte del proceso creativo, y no como un producto terminado. Existe a quien le satisface la experiencia y no faltan aquellos que esperan una puesta más acabada.

Esta polémica no es ajena a la versión final de La voz oval, (estrenada el lunes en el Teatro San Francisco), pues en ella los actores prácticamente no utilizan su histrionismo sino que se abocan a reproducir el texto casi con frialdad, como si de una prolongación de una lectura se tratase. Según esta propuesta, las acotaciones escénicas -la didascalia- es también dicha al público. De esta manera se rompe con las convenciones teatrales tradicionales, se quiebran las concesiones ficcionales y se da paso a un plano de representación dentro de una representación. Se trata de un fenómeno mimético en el que la dramaturgia, el texto en sí mismo, prevalece por sobre la representación

Asalto al agua transparente: sociodrama de ecologistas.

2006-11-23T18:00:00.000-08:00

Más que obra teatral,monografía escolar

2006-11-23T17:57:00.000-08:00

Asalto al agua transparente

Luis Enrique Gutiérrez O.M.

Una suerte de Pedro Infante ecologista con delirios tecnócratas y la eterna gatita devorada por la gran ciudad narran la historia del agua en el Distrito Federal en algo que, más que una obra teatral, semeja una monografía escolar; y más que en la Muestra Nacional de Teatro, debería estar presentándose en las secundarias públicas de la ciudad de México, para deleite de los abstrusos maestros y aburrición de miles de indefensos escolapios.

El humor involuntario es la norma, y roza con la delicia cuando el melodrama en su momento más álgido se replica con notas del anuario de la Comisión Nacional del Agua. Cosas como:

--Es que la ciudad es una mierda con las gatitas como yo.

--El 37% de los niños de Neza se bañan con meados.

--Tú nada más me la quieres meter.

--El 42% de los habitantes de la ciudad de México no se lava el pito después de coger.

Algo así.

Pensar que las estadísticas secas, aun cuando brutales, puedan decirnos más sobre la realidad que el mismo drama, es no saber nada del drama y muy poco de administración pública de la realidad. No saber que el drama, en esencia, es el opuesto diametral de los promedios, lleva a estos dislates, que intentando ser teatro documento no encuentran el teatro y se pierden en la tábula documental. Tener buenos sentimientos nunca hace buen teatro.

Las actuaciones, monocordes, lloradas, están a la altura del texto, y llegan al ridículo cuando la actriz se balancea torpemente en sus chanclas de tacón, siendo que a rais se veía en su elemento. Definitivamente, no tiene lo necesario para brillar en sociedad.

Noches cómico-dramático-etílicas del Noctambulario

2006-11-23T17:51:00.000-08:00

2006-11-22T22:54:00.001-08:00

El galán más sexy de la Muestra

2006-11-22T22:33:00.000-08:00

Daniel Serrano

Luis Nevarez
Luis Enrique Gutierrez

Cutberto López

Martín Zapata

Primer concurso de atractivo visual masculino

Finalistas

El Consejo editorial engalana esta jornada con el exclusivo portafolio fotográfico de estos cotizados modelos para que las damas (o caballeros) asistentes a la Muestra elijan a su candidato en este fabuloso concurso de belleza. Para que conozcan su lado sensible, incluimos este

Cuestionario de personalidad

1. Tu afición:

Luis Nevares: la pornografía

Cutberto López: la pornografía

Jaime Chabaud: la pornografía

Martín Zapata: la pornografía

Luis Enrique Gutiérrez: la pornografía

Daniel Serrano: la pornografía

Nicolás Núñez: la pornografía

Nacho Escárcega: la pornografía

2. Lugar para esconderla:

Luis Nevares: la computadora.

Cutberto López: el closet.

Jaime Chabaud: primero fue bajo la almohada, ahora en la computadora.

Martín Zapata: atrás de los cajones.

Luis Enrique Gutiérrez: la busco, no la escondo.

Daniel Serrano: la computadora.

Nicolás Núñez: no la escondo.

Nacho Escárcega: en el congelador, en una bolsa de plástico.

3. Número que calza:

Luis Nevares: silencio.

Cutberto López: 6 y medio.

Jaime Chabaud: no especificó.

Martín Zapata: vean la película La historia de Io.

Luis Enrique Gutiérrez: estándar.

Daniel Serrano: diez y medio… risita.

Nicolás Núñez: 6.

Nacho Escárcega: murmullo incomprensible.

4. Choro o frase favorita para ligar:

Luis Nevares: nunca ligo, tengo un comportamiento institucional.

Cutberto López: les leo una obra de Luis Enrique Gutiérrez y les digo que es mía.

Jaime Chabaud: Disculpe, ¿puede usted morderme la yugular?

Martín Zapata: estoy preparando un montaje te interesaría…

Luis Enrique Gutiérrez: ¿nos acostamos?

Daniel Serrano: te me antojas, ¿qué me recomiendas?

Nicolás Núñez: …

Nacho Escárcega: tienes una expresión escénica ¡arrolladora!

5. Deporte que practica:

Luis Nevares: para esta competencia me preparo en el gimnasio.

Cutberto López: la hamaca.

Jaime Chabaud: cuando viajo, la paja.

Martín Zapata: el golf.

Luis Enrique Gutiérrez: buscar la paz del mundo.

Daniel Serrano: me gusta el futbol pero no lo practico.

Nicolás Núñez: natación.

Nacho Escárcega: levantamiento de tarro.

6. Baile favorito:

Luis Nevares: el vals.

Cutberto López: la quebradita.

Jaime Chabaud: todos.

Martín Zapata: bailo el Chamarrazo, fantástica coreografía de mi creación.

Luis Enrique Gutiérrez: no bailo, sólo me dedico a buscar la justicia y la paz del mundo.

Daniel Serrano: no bailo.

Nicolás Núñez: rock and roll.

Nacho Escárcega: el vallenato.

7. Si le dieran a elegir entre una producción para la próxima muestra o ligarse a una actriz participante de la actual, ¿por cual opta?

Luis Nevares: la actriz, por supuesto

Cutberto López: elijo a Conchi León

Jaime Chabaud: lo segundo, pero sigo la pauta de que mirar no empobrece; tocar es lo que aniquila.

Martín Zapata: Me inclinaría por la muchacha, pero hay que ver de cuanto es la producción.

Luis Enrique Gutiérrez: una chava de la Muestra, pero sólo en el plano hipotético porque mi mujer me mata si se entera.

Daniel Serrano: soy monógamo (risa).

Nicolás Núñez: soy un humanista: la muchacha.

Nacho Escárcega: ligarme a una Frida.

Los votos se recabarán al inicio de las obras en el Teatro San Francisco. ¡Que gane el mejor!

Nicolás Núñez Nacho Escárcega

La viuda astuta

2006-11-22T22:31:00.000-08:00

El grupo Casa del teatro y Centro Dramático de Michoacán representó anoche, de Carlo Goldoni, La viuda astuta, en el Teatro el Rocinante, instalado en la Plaza Juárez y que, originalmente se llevó a doce comunidades michoacanas sin acceso al teatro. Esta vez formó parte de la MNT.

La Muestra, de fútbol

2006-11-22T22:26:00.000-08:00

Redacción

Sin otro objetivo que convivir en esta Muestra Nacional de Teatro, se organizó este martes un torneo relámpago de fútbol rápido. Pachuca, cuna del fútbol mexicano, recibió en su estadio Revolución Mexicana a un amplio grupo de teatreros que, con mucho frío y tosiendo por culpa de la nicotina, organizo la cáscara, los equipos registrados fueron: Dulces compañías, El botón limi (SIC), Llanos vamos (SIC) y ¡Hay les va la VARA! (SIC), quienes para jugar partieron en dos la cancha reglamentaria del estadio para no cansarse mucho.

El resultado del primer partido fue:

Dulces compañías 5

El botón limi 7

El segundo partido tuvo como resultado:

Llanos vamos 0

¡Hay les va la VARA! 2

El resultado de la final fue:

¡Hay les va la VARA! 5 CAMPEÓN

El botón limi 2

Felicidades al equipo triunfador, el cual estaba integrado en su mayoría por los técnicos del Teatro San Francisco. Para los demás les diremos como consuelo que “lo importante no es ganar, sino hacerla de tox”.

Si quieren saber a detalle lo que sucedió en esta fría y divertida mañana pambolera, los invitamos a leer la crónica en el siguiente número de este DIARIO DE LA MUESTRA.

Poniendo en alto el espíritu “pambolero” de Pachuca, el equipo Hay les va la VARA! Integrado por los técnicos del Teatro San Francisco resulto campeón indiscutible del Torneo Relámpago de Futbol Rápido Lo que Quedó de Mi Juventud, celebrado en el Estado Revolución Mexicana entre participantes de XXVII Muestra Nacional de Teatro

Muestra Nacional

2006-11-22T21:11:00.000-08:00

Hedda Gabler

Grupo: Producciones de Alcoba

Distrito Federal

Autor: Henrik Ibsen

Dirección y adaptación: Enrique Singer

Teatro San Francisco

Jueves 23 de noviembre de 2006

Hora: 18:00 y 21:00

Sinopsis

Hedda Gabler es una mujer atrapada entre dos realidades: su ideal, un mundo lleno de belleza y de acciones sublimes, que es el que le gustaría; y su realidad, una vida burguesa, mediocre, es una mujer cobarde, que no se atreve a romper con su estatus social para realizar sus sueños

Reparto por orden de aparición

July Tesman / Concepción Márquez

Berta / Ana Gram

Jorge Tesman / Roberto Soto

Hedda Gabler / Lisa Owen

Thea Elvsted / Carmen Madrid

Juez Brack / Arturo Ríos

Ejlert Lovborg / Carlos Aragón

Créditos

Escenografía/ Auda Caraza, Atenea Chávez y Martín Acosta

Iluminación / Juliana Faesler

Vestuario / Eloise Kasan

Escenofonía / Rodolfo Sánchez Alvarado

Fotografía /José Jorge Carreón

Diseño de Producción / Producciones de Alcoba y

Mireille Bartilotti

Duración: 2 horas 35 minutos

Cicatrices

Grupo: Cuatro Milpas Teatro

Colima

Autor e Idea Original: Janet Pinela.

Dramaturgia: Héctor Castañeda

(Incluye textos de varios autores)

Director: Janet Pinela

Teatro Guillermo Romo de Vivar

Jueves 23 de noviembre de 2006

19:00 horas

Sinopsis

Cicatrices, aborda el tema del temblor del 21 de enero de 2003, reconociendo la valentía y el amor a la vida que demostraron los colimenses durante y después del desastroso movimiento telúrico

Reparto

Soledad / Teresa Rábago

Alma / Ariadna Galván

Ángel / Christian Rangel

Braham / Héctor Castañeda

Amada / Nelly Magaña

Ada / Marisol Cárdenas

Andrés / Ernesto Cortés

Annie / Flor Larios

Amparo / Isabel Balboa

Créditos

Escenografía /Jesús Hernández

Iluminación / Verónica Sanmiguel

Vestuario / Ricardo de la Lanza

Musicalización / Davide Nicolini

Duración: 1 hora 30 minutos

Aguantando al taquero

Grupo: Teatro Hacia el Margen

Yucatán

Autor: Miguel Ángel Canto

Director: José Ramón Enríquez

Sala Abundio Martínez de la Escuela de Artes

Jueves 23 de noviembre de 2006

19:00 horas

Sinopsis

El chancho y el perro esperan hacer un bisne con el taquero, por ello lo aguantan a que llegue... pero éste nunca llega.

Reparto

El chancho/ Roberto Franco

El perro/ Pablo Herrero

El taxista/ Oswaldo Ferrer

Créditos

Musicalización/ Rodolfo Sánchez Alvarado

Producción/ Pablo Herrero

Duración: 1 hora

Yerma

Grupo: Casa del Teatro/ Centro Dramático de Michoacán

Michoacán

Autor: Federico García Lorca

Director: Mauricio Pimentel

Teatro Móvil, Plaza Juárez

Jueves 23 de noviembre de 2006

19:00 horas

Sinopsis

Reparto

Yerma/ Lucero Trejo

Juan/ Juan de la Loza

Maria, lavandera, vecina/ Erika de la Llave y Carolina Politi

Víctor / Omar Mendoza

Vieja, cuñada/ Teresa Rábago

Muchacha 1, lavandera, vecina/ Norma Márquez

Muchacha 2, lavandera / Gabriela Moreno

Dolores, cuñada/ Judith Arciniega

Pastor 1/ Gustavo Jimenéz

Pastor 2/ José Refugio García Guerrero

Créditos

Adaptación/ Mauricio Pimentel y Lucía Puente

Diseño y asesoría de Escenografía e Iluminación/ Philippe Amand

Iluminación / Gustavo Jiménez

Diseño de Vestuario/ Gabriel Ancira

Producción Ejecutiva/ Tatiana Maganda

Duración: 1 hora 50 minutos

Muestra Alterna

Llera

Grupo: Teatro Bocana

Tamaulipas

Autor: Ángel Aurelio Hernández Arreola

Director: Refugio Arcadio Hernández Ledezma

Cementerio de Autos del Corralón Municipal de Pachuca

Jueves 23 de noviembre de 2006

23:30 horas

Sinopsis

Llera; muerte para el viajero, Llera; lluvia de automóviles cayendo al pie de su entraña, al abismo donde su cementerio de almas permanece intacto, bajo el camino, solo, con la carretera de noche en el doble carril de la muerte, hacia el fondo del voladero, Llera; dos ladrones, la mujer y un accidente fatal.

Reparto

El padre/ José Luis López Vázquez

La hija/ Cynthia Lorena Pérez Castañon

La mujer/ Silvia Morales López

Hombre de la feria/ Aurelio Hernández Ledezma

Créditos

Escenografia/ Aurelio Hernández Ledezma, José Luis López Vázquez, Marco Vinicio Vázquez Martínez y Mariano Francisco Martínez Domínguez.

Iluminación/ Arturo Honorio Moreno Juárez

Vestuario/ Ángel Hernández

Musicalización/ León Felipe Vázquez Hernández

Coreografía/ Silvia Moreno López

Producción/ Ayuntamiento de Ciudad Madero, Universidad Autónoma de Tamaulipas, Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes

Duración: 1 hora

Crímenes del corazón

Compañía de la Comunidad Teatral del Estado de Hidalgo

Hidalgo

Autor: Beth Henley

Dirección: Luis Carlos Cabrera

Jueves 23 de noviembre de 2006

Teatro Manuel Ángel Núñez Soto

Actopan

18:00 horas

Sinopsis

Reparto por orden de aparición

Leonor Josefina Monzalvo / Carmen Ruiz

Chick de Butrón / Ana María Velázquez Ogaz

Martín Portillo (Doc) / Fernanado Pérez Romero

Margarita Monzalvo / Alicia Pérez Romero

Rebeca Monzalvo / Karen Cortés

Bernardo López / Jonathan Rebolledo

Créditos

Juan Manríquez Ramos / Escenografía

Luis Carlos Cabrera / Musicalización

Compañía de la Comunidad Teatral / Maquillaje y Vestuario

Alejandro Patiño / Iluminación

Duración: 1 hora 40 minutos

El gusto por el riesgo: Vencer al sensei

2006-11-22T21:05:00.000-08:00

Carmen Zavaleta

Atención, si está sentado en la primera fila no pase la línea de seguridad, es por su bienestar…así inició Vencer al sensei, dirigida por Ricarhd Viqueira y llegada del Distrito Federal al Centro Cultural del Ferrocarril en la Muestra Alterna,

La anécdota: el encuentro entre un sensei y su alumno. El maestro entrena a su discípulo y el segundo se arma de valor para vencerlo. En el subtexto, se trata de una reflexión sobre la enseñanza y el poder.
Los actores Richard Viqueira, Mauricio Galaz y Rossana Vega demostraron que la acción, la exactitud y el trabajo corporal llevados al límite, son elementos dramáticos que no permiten la más mínima desconexión.

Claro, en este foro habrá quien diga que la precisión en el trabajo actoral no es una cualidad, sino una obligación y tienen razón; pero por increíble que parezca, suele darse por hecho y cuando se ve en escena, siempre hay que mencionarlo.

Otro de los puntos a favor fue que se incluyeron elementos como la velocidad de la información, la dinámica de los videojuegos, la danza kabuki y los karatazos al mejor estilo de Bruce Lee, sí, los de los churrazos del cine de acción.

En conclusión, Vencer al sensei resultó una experiencia de vitalidad y juego que se agradece, pues el riesgo no solamente fue para los actores, también para el espectador.

Me dice, le digo, no te digo...

Princesas en cabaret

Aquí el cuento, como quien dice, el relato de la historia que la noche del veinte de noviembre Paola Izquierdo en una clara confabulación con Roam León y Luis Flores (el uno en la dirección y el otro interpretando la música), llevaron a cabo en el Noctambulario, con De princesas, príncipes y otros bichos.

El espectáculo fue dividido en dos cuadros. En primer lugar apareció la princesa Rocío de la mañana para buscar al sapo príncipes azulis, y expuso a todos los sapos que conoció como el erectus, el intelectualus, el rapiditus, y el pachecus. Por su puesto, sus aventuras fueron en un bosque encantado.

Después llegó el Principito: valedor chilango empeñado en buscar y encontrar a la niña voladora.

Hace algunos días en los foros de análisis, se habló sobre las consecuencias del teatro-cabaret para los actores. La discusión está pendiente, pero en el caso de De princesas... quedó claro que el cabaret es capaz de ser un compañero leal para el trabajo sobre la escena, sobre todo, cuando se trata de una propuesta honesta de quien lo crea.

Este es el caso de Paola, quien inteligentemente usó a princesas recalcitrantes, y a los personajes urbanos para exponer los medianos ideales socialmente impuestos. Felicidades Paola, felicidades y gracias.

Destinos urbanos

2006-11-22T20:55:00.000-08:00

La Plaza Independencia, donde se encuentra el Reloj Monumental, abría también espacio al Teatro Bartolomé de Medina, un edificio de estilo neoclásico que fue demolido en 1942 para construir en ella un cine.

Aunque el teatro Bartolomé de Medina dejó de existir, su memoria seguía presente entre los pachuqueños. En 1957 se inició la construcción de otro edificio, ahora en la Plaza Juárez, que se llamaría Teatro Hidalgo Bartolomé de Medina. La fachada de este nuevo recinto intentó replicar la original, pero el propio suelo donde fue edificado el teatro hizo impidió que su belleza igualara la del primero.

En 1963 fue concluido el Teatro Hidalgo Bartolomé de Medina, de la Plaza Juárez. Este edificio neoclásico, destaca por su fachada de cantera, por sus arcos de medio punto, sus ventanas rectangulares con cornisa entrecortada y un frontón rectangular con un escudo en altorrelieve.

Durante la XVII Muestra Nacional de Teatro, ha fungido como sede de los seminarios CEUVOZ: La voz del cuerpo y La palabra diciente.