viernes, 24 de noviembre de 2006
Yamaha 300: temor y traición
Nahum Torres*
Para nadie está en duda que el crimen organizado se ha beneficiado en base a dos políticas antagónicas que corresponden al goce y al miedo.
El mercado de la droga se sustenta, por una parte, en una cultura de hedonismo que ha penetrado diversos espectros en la sociedad (en el caso juvenil, se afianza debido a la ilusión de fuerza y poder que genera ser un dealer); y al mismo tiempo, existe un temor creciente de la barbarie criminal propiciada por la desconfianza en las autoridades (aquellos encargados de la seguridad social) por su vinculación a las mafias y cárteles de la droga tanto en México como en Estados Unidos.
Este sentir adverso entre atracción y miedo están reflejados en la obra Yamaha 300 del dramaturgo (actor y promotor cultural) sonorense Cutberto López, resultado de un diálogo extenso con el grupo teatral TATUAS (Taller de Teatro de
Lo que el autor nos quiere compartir con esta pieza de acción -sin establecer ninguna clase de juicio moralista contra el criminal o una literatura sociológica -, son las ambiciones, sueños, fracasos y temores de personas que por algún motivo se enredaron en el turbio mundo del narcotráfico en el noroeste mexicano.
Es así como conocemos al ‘Animal’ (Hernán Mendoza), un panguero (lanchero) que surca junto al ‘Cananis’ (Fermín Martínez) el Mar de Cortés contrabandeando marihuana para ‘el Tiburón’ (Joaquín Cosío), un capo menor, cabrón pero lleno de aprensiones.
En el centro del escenario péndula un motor de 300 caballos de fuerza, metáfora de la aspiración, de la libertad, de la posesión, del deseo de ser Alguien.
"Yamaha 300" es un raudo relato nocturno de burreros tecnificados traficando aspiraciones y temores personales bajo la precisa dirección de Antonio Castro.
* Nahum Torres es editor de www.zonateatral.com.mx
Más qué hacer el 24 de noviembre
Talleres
“Fundamentos básicos”
Imparte: Nicolás Nuñez
10:00 a 13:00 horas
Escuela de Artes
“Adaptación para el teatro”
Imparte: Silvia Hernández
Mesas
Mesa General de Análisis
Luz Emilia Aguilar Zinder, Domingo Adame, Saúl Meléndez
11:00 a 1400 horas
Sala Salvador Toscano
Degustación de libros y revistas
Sala Salvador Toscano
11:00 a 14:00 y 16:00 a 19:00 horas
Foro de Análisis
Sala Salvador Toscano
16:00 a 18:00 horas
Conductores: Luz Emilia Aguilar Zinser y Saúl Meléndez (se consideran las obras del día anterior, incluyendo el Noctambulario).
Muestra Nacional
Yamaha 300
Distrito Federal
Grupo: Teatro UNAM
Autor: Cutberto López*
Director: Antonio Castro
Teatro de la Ciudad San Francisco
Sábado 25 de noviembre de 2006
19:00 y 21:00 horas
Sinopsis
Yamaha 300 es una obra negra en donde impera la violencia, el lenguaje crudo, atmósferas densas y personajes cuyas referencias reales son noticia cotidiana en el México de hoy. El autor no tiene la intención de hacer un estudio sociológico del narcotráfico. Lo que desea es denunciar con tristeza que somos vulnerables ante una violencia solapada y creciente.
Reparto
Animal / Hernán Mendoza
Tiburón / Joaquín Cosío
Cananas / Fermín Martínez
Vero / Pilar Padilla
Capitán, Jorge / Dagoberto Gama
Nachito, Oficial, Padre / Sergio López
Raúl, Energúmeno / Adrián Aguirre
Créditos
Escenografía e iluminación/ Sergio Villegas
Vestuario/ Mauricio Ascencio
Música/ Antonio Fernández Ros
Producción/ Dirección de Teatro UNAM
Duración: 1 hora 30 minutos
La siembra del muerto
Sonora
Grupo: Compañía Teatral del Norte
Autor y Director: Sergio Galindo
Teatro Guillermo Romo de Vivar
Sábado 25 de noviembre de 2006
19:00 horas
Sinopsis
¿Es “La siembra del muerto”, el muerto sembrado por “La acordada”, o la siembra dejada por el “Encanijado”, muerto a manos de su cuñado Chico Ambrosio un día del años 1951 por haberle arrebato las tierras heredadas por su padre, don Ambrosio el viejo?.
Reparto
Chico Ambrosio-Mani-Manuel Nacho/ Francisco Verú
El Encanijado-Cuate / Manuel Ramírez
El Espirituado- Ambrosito Chico/ Osvaldo Sánchez
Capitán-rezadora / Hugo Sosa
Panchito-Pancho loco-soldado / Dettmar Yánez
El Comisario-Chalío/ Mariano Sosa
Auxiliadora-rezadora / Marreyna Arias
Chona-Cata-rezadora / Belén Gil
Viky-Nacha-rezadora / Elizabeth Vargas
Tío Isabel / Sergio Galindo
Créditos
Escenografía/ Osvaldo Sánchez
Realización/ Francisco González “El Oso”
Iluminación/ Jesús Maldonado
Duración 1 hora 10 minutos
Yerma
Grupo: Casa del Teatro/ Centro Dramático de Michoacán
Michoacán
Autor: Federico García Lorca
Director: Mauricio Pimentel
Teatro Móvil, Plaza Juárez
Sábado 25 de noviembre de 2006
21:00 horas
Sinopsis
Una mujer de pueblo obsesionada por tener un hijo se enfrenta a un contexto en el que sus principios y valores se van transformando en obstáculos insuperables para lograr su anhelo. La soledad y la imposibilidad la empujan a realizar un acto donde ella renuncia a su maternidad.
Reparto
Yerma/ Lucero Trejo
Juan/ Juan de
Maria, lavandera, vecina/ Erika de
Víctor / Omar Mendoza
Vieja, cuñada/ Teresa Rábago
Muchacha 1, lavandera, vecina/ Norma Márquez
Muchacha 2, lavandera / Gabriela Moreno
Dolores, cuñada/ Judith Arciniega
Pastor 1/ Gustavo Jimenéz
Pastor 2/ José Refugio García Guerrero
Créditos
Adaptación/ Mauricio Pimentel y Lucía Puente
Diseño y asesoría de Escenografía e Iluminación/ Philippe Amand
Iluminación / Gustavo Jiménez
Producción Ejecutiva/ Tatiana Maganda
Duración: 1 hora 50 minutos
MUESTRA ALTERNA
Arrabal
Grupo: Arte Acción Teatro de Movimiento
Distrito Federal
Texto: Mario Rene Matute.
Director: Gerardo Sánchez
Sábado 25 de noviembre de 2006
Plaza Constitución, Pachuca
12:00 horas
Sinopsis
En Arrabal convergen diferentes personajes, que por azares del destino tienen que ver entre si: “
Reparto
El Cura / Gerardo Sánchez G.
El Artista / Saeed Pezeshki P.
El Chueco / Mario Alba Islas
El Tokes / Juan Carlos Martínez D.
El Padrote / Edgar Reyna Flores
Créditos
Entrenamiento Corporal y Asistencia Coreográfica / Teresa Carlos Yañez
Expresión Teatral y Corporal / Gerardo Sánchez
Textos / Mario Rene Matute
Instalación Escénica / Arte Acción 04
Escenofonía / Rodolfo Sánchez Alvarado
Diseño y Confección de Vestuario / Gamaliel Islas Suárez
y Myriam Haydee Méndez
Diseño e Iluminación / Hugo Heredia
Duración: 60 minutos
Crímenes del corazón
Compañía de
Hidalgo
Autor: Beth Henley
Dirección: Luis Carlos Cabrera
Sábado 25 de noviembre de 2006
Auditorio Fernando Soto, Tulancingo
18:00 horas
Sinopsis
La obra representa la frustrada vida de tres hermanas provenientes de una familia disfuncional en un momento crucial para una de ellas. Deudas pasadas, rencor, envidia, contraposiciones, pero sobre todo la soledad de cada una de ellas, desembocan en un final inusitado.
Reparto por orden de aparición
Leonor Josefina Monzalvo / Carmen Ruiz
Chick de Butrón / Ana María Velázquez Ogaz
Martín Portillo (Doc) / Fernanado Pérez Romero
Margarita Monzalvo / Alicia Pérez Romero
Rebeca Monzalvo / Karen Cortés
Bernardo López / Jonathan Rebolledo
Créditos
Juan Manríquez Ramos / Escenografía
Luis Carlos Cabrera / Musicalización
Compañía de
Alejandro Patiño / Iluminación
Duración: 1 hora 40 minutos
Continúa la búsqueda del más sexy de la Muestra
Redacción
Gracias a las cientos de mujeres y hombres que han emitido su voto para determinar al ganador del Primer concurso de atractivo visual masculino. Cuatro de los siete cotizados galanes que buscan el triunfo pueden ser admirados a continuación. Aquellas y aquellos que quieran unirse a este ejercicio de crítica y reflexión, pueden depositar su voto en el Teatro San Francisco. La competencia está por concluir.
Agregamos la representación de Diario de
Quería ser un cabrón
Alberto Susano *
Relato
Al paso del tiempo la idea de ser cabrón era más grande, no lo entendía así que me fui donde creí que realmente me iban a enseñar. Con esa idea, llegué a
En
¿Y en
En fin, regresé a mi querido estado vomitado por el sucio ambiente, en todas las esferas, del Distrito Federal, con unas buenas obras escritas y alabadas por algunos maestros de allá, pero cuando, iluso, las mostré a algunos maestros de acá, resulta que aún no era un cabrón: que escribir cabrón era escribir como Enrique Olmos, olvídenlo...
Ingresé al IDA en la montaña Hidalguense, y todo iba bien: muy buenos maestros, muy buena técnica, hasta que los buenos maestros se fueron y quedaron los que me enseñaron que ser cabrón es retorcerse como trucha sin agua en la duela, poner música densa y pintarme de color rojo. Me aborté del IDA sin ser un cabrón.
Armé un grupo de teatro con hermanos conocidos en el IDA. Comenzamos a hacer teatro en la montaña. Hicimos proyectos de investigación con gran aceptación de algunos asesores y maestros, pero no logramos ser cabrones. A pesar de ser festejados y bien recibidos por nuestro público, amados en la montaña y lugares afines.
Y llegó
La lección más grande sobre ser cabrones la tuvimos en la comunidad teatrera del estado, donde ser profesional es decir con mucha altivez que el teatro del estado es pedorro, chillar por los espacios y por los presupuestos, que todo el teatro aquí es malo, menos el mío, pero como ya hay muchos que lo dicen, decidimos quedarnos en nuestra montaña, haciendo teatro, nada cabrón, para un público que no son nuestros compadres porque ni tenemos, un teatro de un aquí y un ahora palpable y real.
*Director de Erotema-Caos teatro e investigación (grupo desconocido para la comunidad teatral, por fortuna). Defensa lateral del equipo Ahí les va la vara, campeón del torneo relámpago de fut de
Lo reciente
Sobre los creadores hidalguenses
En la década de los setenta, el público hidalguense fue testigo de un gran movimiento teatral de compañías, actores, directores y creadores, originarios del estado o inmigrantes. Cada uno dejó testimonio en los escenarios de la entidad y el extranjero. El trabajo se reflejó en propuestas de grupos como Teatro estudio, dirigido por Arturo Romero, que desde 1978 y hasta principios de los ochenta participó en el Festival del Siglo de Oro del Chamizal, con obras como El anzuelo de Fenisa y Fuenteovejuna.
También aparecerían en escena los grupos Hecho en México de Jorge Skinfield, El Clan de Luis Carlos Cabrera, Catarsis de Víctor Santoyo y que actualmente dirige Fernando Pérez Romero.
El Grupo Intento dirigido por Emmanuel Márquez llegó a Pachuca, después del terremoto de 1985 que azotó a
De manera independiente, en ensambles y grupos Arturo Cabañas Dimas, Daniel y Alicia Pérez Romero, Ana María Velásquez, Francisco Meléndez, Tere Arciniega (qepd), Julio Oviedo, Alejandro Patiño, Francisco Arrieta, Carmen Chacón, Antonio Guerrero, Patricia Rodríguez, Edmundo Lima, Jesús Islas, Jorge Antonio García son algunos de los hombres y mujeres que con su talento y esfuerzo han permitido que esta actividad tenga vida.
El movimiento continúa, existen creadores decididos a posicionar el teatro que se produce en los municipios y en la capital del estado; entre otros puede mencionarse a los grupos Ars Vita, Teatro de títeres de Ricardo Vega Casco y Lourdes Miramontes, originarios de Cuautepec. En Actopan, La compañía Leba a cargo de Abel Pérez Ángeles.
En Tulancingo Su majestad la farsa de Anuar Jottar Magdaleno; y Teatro Arlequín por Eduardo Hidalgo Sosa.
En Pachuca, los grupos Juglares Ruelas de artes escénicas de Luis Manuel García Aguirre; Dúo teatro estudio dirigido por César Hernández y Myrella Velasco; Cuerda bajo la dirección de Myrna Vargas; La vela teatro de Darío Pantaleón; Escena teatro por Marisa Gómez; Foro Cultural Helénico de Rafael Tirado y
Cada uno tiene su propia propuesta escénica, pero es indudable que la constante entre las compañías es la preocupación por establecer sus mecanismos de producción y difusión y la apertura de espacios. La tarea es ardua, pero vale la pena para continuar alzando el telón y asumiendo al teatro como una decisión de vida.
Vencer al Sensei: gracia, artes marciales y plasticidad
Juan Carlos Hidalgo
"Descubrí que la vocación de un samurai es la muerte".
Hagakuré
(Libro del Guerrero)
En toda relación entre maestro y alumno se crea una tensión que se comporta como un elástico que se estira con flexibilidad. En un extremo se encuentra el odio, en el otro, ya se sabe, el amor. Entre ambos se da también un espíritu de competencia; un instinto que lleva al novato a querer superar a su mentor y hace que el veterano ansíe sobrevivir. Todo ello se hace más explícito cuando media entre ellos un ámbito marcial, como el que se da en la práctica de las artes de combate orientales.
Vencer al Sensei es un rara avis en el paisaje teatral mexicano, pues combina combates con sable, karate y acrobacia con fragmentos textuales apenas esbozados. Se trata de un pieza performática en la que se aprecia un conocimiento del teatro Kabuki, de los malabares típicos de la Ópera de Pekín, pero también un gusto por las comedias de la era del cine mudo a lo Chaplin, Harold Loyd y Buster Keaton.
Durante los poco más de sesenta minutos que dura la representación, los segmentos de combate se suceden unos a otros: con katana, palillos chinos, una botella, sombrillas, entre otros objetos. Pero no se basan en la solemnidad de una pelea llana, sino que se convierten en conectores entre pasajes humorísticos, que relajan el tono e inyectan mucho sentido del humor al montaje, con lo que se emparentan también con la vasta tradición de cine chino sobre guerreros del templo Shaolín y las primeras cintas de Jackie Chan, mitad comedia bufa mitad kung fu coreográfico. (Quizá los espectadores más jóvenes sólo tengan en mente filmes tales como El Tigre y el dragón (00) de Ang Lee o La casa de los cuchillos (04) de Zhang Yimou).
Visitar al Sensei funciona como un espectáculo universal. Su mensaje se comprende más allá de que el venerable guía hable en japonés o sólo grite. Por alguna extraña razón su discípulo –ese pequeño saltamontes- si habla español y nos confiesa su ilusión y da cuenta de añejas batallas libradas por su maestro. Con todo, lo que priva es la sencillez semántica, la fuerza de la expresión gestual y corporal por sobre la palabra.
Mauricio Galaz, en calidad de alumno, y Richard Viqueira, autor, director, coreógrafo y Sensei, hacen gala de sus capacidades físicas, que no son pocas, acompañados de una frágil Geisha (Rossana Vega), que aporta sensualidad y ligereza. Para un público amplio de miras está puesta quizá le remita a un pasaje del Circo du Soleil, y puede que sea cierto. Tal vez sólo los puristas se incomoden, otros muchos harán suya la plasticidad de un respetable trabajo de Kraken Teatro, que fue apoyado por
Sin duda, una pieza afortunada y peculiar que destaca entre lo ofrecido entre
Con todo, prefiero subrayar el grato encuentro con una pieza como Vencer al Sensei, un entrecruzamiento de géneros y tradiciones maduro y afortunado, y en el que la belleza no habla un idioma en particular; corre libremente y brota de un lance circense, de un maniobra de aikido o del vuelo del sable. Tal vez todos llevemos un guerrero por dentro, un pequeño Mishima, aunque el mensaje zen que nos regala el aprendiz nos recuerde que a estas alturas de la historia, el mundo está vacío.
¡Son mis patas…!
Carmen Zavaleta
Sobre Cicatrices
¡Las que me están moviendo!… Anoche, durante la función de Cicatrices, el trabajo dirigido por Janet Pinela y representante de Colima, esta frase (escuchada en una de las entrevistas en video que integraban el espectáculo), me despertó: el relato de las ruinas que dejó el terremoto de 2003 en Colima, era un buen intento, que se desdibujó.
Y la cosa era extraña: porque al inicio, la presencia de Tere Rábago (con el gusto que me implicó volver a verla sobre al escena), la arriesgada propuesta de la dirección con las imágenes, el complicado y efectivo trabajo técnico, las proyecciones: prometían un viaje interior, una despedida y la soledad como algo entrañable.
Pero no sucedió en su totalidad.
A mi modo de ver las dramatizaciones de eventos tan devastadores como los terremotos, deben ser capaces de sintetizar la destrucción que se origina: la física, la emocional, la social. Ya una vez un terremoto me enseñó (como a millones de mexicanos), que después de que se mueve la tierra, lo jodido es reconocer las carencias económicas y la falta de interés políticos.
Lo verdaderamente entrañable es la actitud humana.
Lo endiabladamente difícil es llevarla a escena.
En Cicatrices, el trabajo estaba a la vista, con este sabor de equipo escénico comprometido y que apuesta por transformar los momentos de crisis en un evento creativo, cuidando de no caer en la inmediatez (por lo reciente del evento); sin embargo, el movimiento no fue suficiente.
Propuesta de reforma
Para el fortalecimiento de la identidad de la comunidad teatral en los estados
Myrna Vargas
A partir de las inquietudes expresadas de diversas formas en relación a la participación de los creadores de Hidalgo en
Si bien
Sería interesante que la comunidad teatral de los estados sede prepare ponencias y materiales, de manera previa a
Ésta, considero, sería una chamba interdisciplinaria muy enriquecedora tanto para la comunidad estatal como para
Creo que ya que
Aunado a esto, y en la misma intención de fortalecimiento de la identidad, propongo que sólo en el caso del estado sede, se retome el formato de Muestra estatal con público, para la selección de los participantes de
Por fortuna, en esta emisión, Hidalgo propuso una Muestra Retrospectiva de su quehacer que aunque breve, es un avance en la intención.
Ojalá la comisión de
Radio pasillo
* Dicen que el silencio mata o ¿es mera indiferencia?
* Si alguien ve por ahí al Licenciado Ángeles, dígale por favor, de parte de los técnicos del San Francisco, ganadores del torneo Lo que quedó de mi juventud, que no se haga pato con el trofeo, que esperan noticias suyas.
* Que el Diario de
Triple Suicidio
Eduardo Vázquez Martín
Sobre Doble suicidio
Adaptada, producida, dirigida, iluminada, musicalizada por Abraham Oceransky, Doble suidicio creó unas expectativas que desgraciadamente no cumplió. El amor y el compromiso con el teatro de Oceransky está fuera de toda discusión: su interés por penetrar el alma cultural de oriente es mayor que el del propio José Juan Tablada, Salvador Elizondo u Octavio Paz. Se trata de una propuesta estética que va desde la creación de paisajes escénicos hasta la meticulosa selección de cada uno de los quimonos, de la investigación musical y el uso riguroso pero creativo de los instrumentos tradicionales al cuidado del maquillaje y la iluminación. Todos estos elementos nos permiten acceder a un mundo donde la belleza manda, donde la estética es la ética, y donde la pasión no es un caballo sin rienda sino la servidumbre estoica del corazón sobre la razón.
Doble suicidio adapta para la escena Los amantes suicidas de Amijima (1720), la obra más importante del dramaturgo Chikamatsu Monzaemon, considerado el “Shakespeare japonés”, la cual fue escrita originalmente para teatro de muñecos Bunraku y luego para teatro Kabuki. Como el propio Oceransky explicó a modo prolegómeno a su obra, estamos ante una “Romeo y Julieta más adulta y sincera, por ello me atrevo a reinterpretarla para nuestro mundo occidental con algunos toques de animé y de manga contemporáneos, empleando música en vivo con instrumentos clásicos de Japón como el shamisen.”
Sin embargo, el trabajo de más de dos meses sobre los actores no resultó efectivo: Koharu (Liliana Hernández) y Digei (Claudio Emilio Meléndez), los protagonistas centrales de la tragedia, jamás logran encarnar el drama que les impone su destino; el lazo emocional que les impide separar sus existencias y los lanza a la muerte no logra ser encarnado, siguen el guión con precisión pero sin pasión, de modo que la tragedia se desmorona hasta hacerse injustificable. Susana Saldaña Argáez (narradora principal) sostiene la obra, la propia esposa de Digei levanta la intensidad del drama (Como el la novela La seda de Alessandro Baricco, es capaz de amar la pasión de su propio marido adúltero), pero la incapacidad interpretativa de los amantes termina haciendo injustificable el suicidio.
Finalmente Oceransky se regodea en una escena final, la del suicidio, cuya inverosimilitud no sólo puso en riesgo la representación de la tragedia sino que provocó la risa del público; la tragedia devino en farsa, la incontinencia y la autocomplacencia terminaron en el suicidio de la dirección.
Exposición Retrospectiva del Teatro en Hidalgo
Durante el proceso de investigación y recopilación para realizar
004. Planta técnica del Teatro Romo de Vivar
Colección: Alejandro Patiño
007. La rana encantada, 1999
Autor: Lourdes Miramontes y Jorge Vega
Director: Jorge Vega
Colección: Grupo Ars – vita
Cuautepec
019. Los sueños de Cristobalillo, 1992
Autor y director: Alonso “Coco” Barraza
Colección: Jorge Vega
020. El sueño del ángel, 1995
Autor: Carlos Solórzano
Director: Jorge Vega
Colección: Grupo Arts – vita
Cuautepec
036. Fuenteovejuna
Ca 1983
Autor: Lope de Vega
Director: Arturo Romero
Teatro Estudio
Colección: Leticia Farfán
054. Elenco de Heil, El pequeño Malcolm y su lucha contra los eunucos
Ca 1983
En la foto Leticia Farfán, Arturo Romero, Anuar Jottar Magdaleno, Jesús Cuevas y Raúl Garduño.
Colección: Jesús Cuevas
Hagamos un tambor con tu piel
Fernando de Ita
Sobre Doble suicidio
Es fácil tomar a burla el tremendo respeto que tiene Abraham Oceransky por la cultura oriental, pero antes de hacerlo hay que considerar que este singular creador de nuestro teatro no es un advenedizo en la materia. De hecho, el viento del lejano oriente sopla en la obra del maestro desde sus primeros trabajos para la escena. Cuando nadie tomaba como modelo de movimiento la mecánica corporal de los samurais, Oceransky la utilizaba para marcar su raya en el escenario, en obras memorables como Simio y Acto de amor.
La occidentalización de Doble suicidio, la obra emblemática de Chikamatsu Monzaemon, dramaturgo japonés del siglo XVIII, es la cima de una fascinación compartida por Abraham con grandes figuras del teatro europeo como Antonine Artaud y Jerzy Grotowski. Ahora sabemos que Artaud confundió los principios del teatro balines, y que esa confusión enriqueció notablemente la ética y la estética del teatro europeo.
En esta ocasión, el fundador del Teatro Studio T, con sede en Xalapa, no utiliza, como en otras obras, la influencia del teatro oriental para definir la forma de su puesta en escena, sino que apuesta de plano por la mimesis del Kabuki y el Banraku para reinterpretar, como él dice, la tragedia de dos amantes que, a la manera de Romeo y Julieta, son condenados al suicidio por las costumbres dominantes.
A Monzaemon se le considera el Shakespeare japonés, y sus obras son representadas con veneración por todo lo que le dicen a sus coterráneos. Hasta un mero aficionado como yo al teatro oriental sabe que los textos de ese teatro no se expresan solamente en palabras sino que la intención verbal es completada por los gestos y movimientos de los actores. En otras palabras, hay códigos formales, posturas ancestrales, gestos específicos, movimientos precisos que conforman el alfabeto del teatro oriental. Se puede, entonces, contar la historia de Koharu y Digei a la manera occidental, esto es, textualmente, pero es prácticamente imposible narrarla culturalmente porque nuestros actores y nuestro público no tienen los referentes necesarios.
Por ello, es difícil apreciar el enorme trabajo del director y los intérpretes para colocarse en la postura física y mental que exige esa manera de contar el mundo. Se ve que hay una disciplina samurai en todos los actores que participan en esta traslación de la tragedia nipona, pero el resultado siempre será limitado porque un actor de Kabuki no requiere 8 meses sino 8 años para llegar a escena.
En estas condiciones, el desmesurado intento de Oceranski por apropiarse de otra tradición no tiene la recepción que merece, y yo no culparía al público por no entrar a la convención que le proponen, simplemente porque le es ajena, y al no tener todo el poder de la tradición a la que imita, lo deja fuera.
Antes de teatrero, Abraham fue músico, y aquí está en escena tocando una versión del Shamisen. Él nos dijo que este instrumento es muy apreciado en el Japón por los sutiles sonidos que provoca, pero en sus manos sonaba, por momentos, como guitarra de rock. Acaso aquí este el resumen de su intento.
Yerma
Heda Gabler
Anoche en el Teatro San Francisco se presentó Lisa Owen, con el grupo Producciones de Alcoba. En el papel de Heda Gabler, de la obra del mismo nombre, esta mujer se debate entre dos realidades: un mundo idóneo lleno de belleza y de acciones sublimes; y una realidad burguesa y mediocre.
Fotografía escénica: un arte que representa otro
Fotografía escénica:
un arte que representa otro
Roberto Perea
El teatro es en esencia un acto efímero que desaparece después de cada representación y que perdura fundamentalmente el la memoria de los espectadores que tuvieron el privilegio o la desgracia, según sea el caso, de presenciar el hecho escénico.
En este sentido la fotografía viene a ser un instrumento importante para ofrecer un reflejo de lo que fue una puesta en escena. Tal es el caso de las 50 fotografías de formato espectacular (3m x 2m), colgadas a manera de pendones en diferentes espacios públicos de Pachuca, que buscan atrapar al espectador e invitarlo a asistir a las actividades de
Se trata de imágenes que reflejan lo que ha sido
“La fotografía –afirma Fernando Moguel- es importante porque convierte un arte efímero en algo perdurable, una forma de reconocer a través del tiempo la plasticidad de un montaje. Porque nuestro trabajo no es sólo hacer un registro sino tratar de captar la estética y la esencia de una obra para que el resultado fotográfico sea también un arte.”
“Desafortunadamente –considera Enrique Gorostieta- así como el teatro se queja de la falta de atención del aparato cultural, sea de gobierno o privado, el mismo teatro se desentiende del registro de su actividad. Los grupos, las instituciones, no le dan la debida importancia a ese registro, por eso es necesario que las iniciativas de acervo sean integrales y no sólo para algunas artes y que se invierta en trabajos de calidad, porque a veces hay iniciativas que son desaprovechadas por la falta de criterio para evaluar la calidad del material que se desea obtener.
“Ojalá este tipo de iniciativas como el de
José Jorge Carreón afirma que el común denominador en el criterio de quien necesita o simplemente gusta de una foto es muy superficial. “Hasta ahí estoy de acuerdo en que le den importancia a nuestro trabajo como registro documental, pero me gusta pensar que nosotros lo hacemos como un proceso personal y en este sentido lo considero una creación.
“No todo mundo lo entiende así ni lo necesita así. Pero en todo caso –añade Carreón- es una necesidad propia de interpretación o reinterpretación de otra manifestación artística, entonces lo nuestra se convierte en un híbrido, una arte que representa a otro”.
Al igual que el teatro, la fotografía no es entendida exactamente de igual manera por todo el mundo, hay quien la ve y quien no, a veces es reconocida o no por los propios creadores. Pero sus autores se dan por satisfechos si una imagen provocó algo en un espectador para despertar su interés por acercarse al hecho escénico.
En el ámbito de
Sería difícil imaginar una publicación teatral como Paso de Gato o las ediciones de El Milagro o Escenología, por mencionar algunas, sin una imagen producida por estos artistas de la lente que sustentan lo que la palabra pueda decir acerca del fenómeno escénico.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
